IMAGENES, MUSICA Y PALABRAS DESDE EL SEXTO PISO

Gracias Pincha por tantas alegrías!

2010-12-21T22:17:00.000-08:00

Si te gusta el fútbol, no existe alegría mayor en estos últimos tiempos que ser hincha de Estudiantes de la Plata. Obviamente, mi historia personal está totalmente relacionada con el club, no sólo por ser hijo de uno de los integrantes del equipo que ganó todos los títulos sino también porque soy hincha fanático como saben bien todos los que me conocen desde que volví a Argentina hace ya muchos años.

Estudiantes acaba de conseguir la undécima estrella en la historia del club al ganar el último torneo. Un club que sabe disputar finales y entiende lo que es la mística que alguna vez adquirieron las viejas glorias y que nunca la institución estuvo dispuesta a abandonar.

Y hoy quedó demostrado. El equipo comandado por un estratega como Sabella que sabe lo que significa Estudiantes y conoce a la perfección su vínculo con la gloria, mas el liderazgo de un capitán que alza la bandera bajo cualquier circunstancia, escribió un nuevo capítulo de aquellos que significan historia.

El Pincha acumula ahora, 5 títulos locales en Primera División (sin contar aquellos que obtuvo en la Primera División "B" de 1954 y el Campeonato Nacional "B" 1994/95) y 6 internacionales.

Con la obtención de este Apertura 2010, Estudiantes alcanzó la línea de Newel´s entre los equipos que más títulos lograron en el fútbol argentino y relegó a Rosario Central que quedó con 4.

Qué atrás quedaron el torneo Clausura 2010 que se la escapó por muy poco y la eliminación de la Copa Libertadores de América Este equipo se sobrepuso a todo. Las adversidades fueron una marca registrada en este semestre y por eso el sabor de la gloria se disfruta muchísimo más.

Las 11 estrellas albirrojas

Primera División (4): Metropolitano 1967 y 1982; Nacional 1983 y Apertura 2006

Copa Intercontinental (1): 1968

Copa Libertadores de América (4): 1968, 1969, 1970 y 2009

Copa Interamericana (1): 1969

Apertura: 2010

Paren las Antenas!!

2010-12-11T20:22:00.000-08:00

Aquí les paso el link de un artículo muy interesante sobre la contaminación por ondas electromagnéticas no ionizantes proveniente de las antenas de telefonía celular móvil. Para leerlo con atención y cierta preocupación dado lo poco avanzada que esta la legislación argentina en esta materia. La imagen de abajo es para que tomemos conciencia sobre los efectos de estos siniestros aparatejos.

Pequeña reflexión sobre la estupidez

2010-11-03T23:12:00.000-07:00

El papel de los estúpidos en nuestras organizaciones es verdaderamente fundamental. Su nivel de influencia pueda tener diferentes niveles de impacto o frecuencia. Muchos estúpidos causan daños menores e incluso podríamos arriesgar que las estupideces se cancelan mutuamente entre los distintos sectores de la organización, logrando un efecto neutro. Pero en ocasiones, los estúpidos son capaces de ocasionar el caos. Estas situaciones catastróficas pueden llegar incluso a daños irreparables para la organización o sus compañeros de trabajo.La capacidad de una persona estúpida para dañar a personas y organizaciones depende de tres factores fundamentales:

1) El tipo de estupidez que presenta
2) Su nivel de impacto
3) El grado de autoridad que tiene el estúpido dentro de la organización

Ahora cómo hacemos para mitigar los efectos de la estupidez? Por qué puede llegar a ser tan destructiva? Digamos que mitigar sus efectos es bastante complicado porque la estupidez es imprevisible. Las personas no estúpidas (es decir aquellos que al menos tienen dos dedos de frente) suelen ser incapaces de entender y mucho menos anticipar el comportamiento de los estúpidos. El estúpido es como el talentoso...nace estúpido. Aquí podrá argumentarse que el hijo de puta es tan o más peligroso en las organizaciones y en la vida en general. Es cierto, pero digamos que al menos tienen un comportamiento previsible, más allá de sus modalidades (perverso, garca o enfermo patológico). Tenemos muy claro que no se puede esperar nada bueno de un hijo de puta. En cambio el estúpido sorprende siempre. Por eso frente a un hijo de puta estamos siempre en estado de alerta pero ante un estúpido no.

Frente a los estúpidos no hay nada que hacer, estamos absolutamente desarmados, ya que cómo podríamos siquiera imaginar la irracionalidad de sus acciones? Siempre nos van a tomar por sorpresa y sin posibilidad alguna de contraatacar. "Nada en el mundo es más peligroso que la ignorancia sincera y la estupidez concienzuda” decía Martin Luther King. Pero además, los estúpidos tienen otra característica sorprendente: ignoran que son estúpidos. Esto es lo que quizás pueda hacerlos peligrosamente mortales.

Pequeña reflexión sobre la inseguridad

2010-10-26T01:55:00.000-07:00

Algunas frases que oímos estos días:

1) La inseguridad es una sensación, una percepción exacerbada por algunos medios de comunicación, según algunos funcionarios oficiales.

2) Los medios no inventan la inseguridad, recogen las noticias que suceden a diario en el país y en las que se observa un aumento del delito.

3) Pobreza, marginación, falta de oportunidades sonl caldo de cultivo en el que jóvenes sin nada que perder son incentivados al delito.

4) La gran mayoría de la gente pobre trabaja o busca hacerlo y son las principales víctimas del delito.

5) La droga es un factor que explica no sólo el aumento de la delincuencia sino también el nivel de violencia en el delito.

6) Lamentablemente existen muchos paises que sufren el flagelo de la droga pero el nivel de violencia en el delito ha disminuído.

7) La política de mano dura, de endurecer algunas leyes o bien de aumentar la población carcelaria ha fracasado.

8) La política carcelaria no debería perseguir el castigo del delincuente sino su reinserción en la sociedad.

9) La justicia lenta no es justicia.

10) Se ha aumentado un 18% el presupuesto de la justicia, no el 40% que solicitaron.

Todas estas frases se dicen con mayor o menor enfásis y manifiestan pensamientos de funcionarios de gobierno, políticos de la oposición, periodistas, etc. En general todos los planteos son del tipo es una cosa o la otra... en general o se está a favor o en contra. Algo que está muy de moda últimamente en nuestro país. O somos progresistas o cipayos neoliberales funcionales a los grandes monopolios según la mirada K; Respetuosos de las libertades individuales o gente a la le lavaron la cabeza y chupamedias del oficialismo. En ese estado de esquizofrenia es muy díficil analizar algo pero lo intentaremos.

Hay una percepción de mayor inseguridad en la población. Es muy irritante para cualquiera que haya sido víctima de un delito o tenga alguna persona cercana que lo haya sufrido. Sin embargo, cuando se habla de un tema sin información objetiva, estamos frente a una percepción que se tiene sobre dicho tema. Es más, si aparece dicha información (por ejemplo una estadística que muestra una reducción en el robo de autos - delito que por temas de seguro no deja de ser denunciado) lo que se discute es la estadística, cómo está realizada, etc. y bajo ningún punto de vista vamos a considerar que nuestra percepción puede estar equivocada...o influída. Influída? Sí, porque de qué manera podemos llamar a un delito (algunas veces intrascendente para un noticiero de alcance nacional) que es repetido hasta el hartazgo, programa tras programa y cuando se repiten los titulares? Y esto a veces es recogido - morbo mediante - en distintos medios, distintos canales, etc. He tenido la ocasión de vivir en otros países o estar de visita en ellos. Algunos con más seguridad y otros con un nivel de inseguridad que para nada es menor al que aquí tenemos. Sin embargo, ni existen tantos canales de noticias como aquí (algo por cierto asombroso) ni se repiten tipo ametralladora el robo a un maxikiosco cada media hora. De esta manera, el robo se multiplica tantas veces que uno piensa que basta pisar la calle para ser asaltado. Es razonable, es lógico, termina influyendo y aclaro que en mi caso no escapo a eso. La paranoia lamentablemente nos invade. Ahora bien, los hechos son inventados? No, claro que no. Los hechos existen. El problema es la frecuencia de repetición y el pobre nivel de análisis de cualquier tarado que presenta una nota desde la pantalla.

Cuando se plantea que una de las causas del delito es la marginación, la pobreza, la falta de políticas de inclusión, es muy díficil sostener lo contrario. No cabe dudas que esto favorece el delito en cualquier parte del mundo. Ahora bien, no parece una política muy sensata apelar sólo a la educación, a las políticas inclusivas, a generar acciones para reducir la marginación. Esto hay que hacerlo pero mientras tanto el problema está. Podemos discutir los niveles de delito...lo que no podemos discutir es que existe delito y por tanto delincuentes. Que existe algo llamado narcotráfico que no parece estar siendo combatido muy seriamente, salvo que pensemos que esos operativos que aparecen cada tanto sean parte de una política seria en un país cuyas fronteras no están controladas y cualquiera desciende en avioneta en cualquier parte con lo que se le ocurra. La experiencia mexicana debería servir de advertencia. Allí sí que la inseguridad de la mano del narcotráfico está haciendo verdaderos estragos. Limitar la acción a las políticas inclusivas (sin considerar si alcanzan o deberían ser incrementadas, ese es otro tema) es atender que no aumente el flujo de futuros delincuentes pero ignorar el stock de los que hoy alimentan el delito no es un tema ideológico, sino algo sumamente estúpido.

Se habla del fracaso de las políticas de mano dura, que las cárceles no resuelven nada, etc. Concuerdo...por sí sólo esto no resuelve nada. Desde lo ideológico tampoco comparto ni las penas de muerte, ni las barbaridades tipo "meter bala al delincuente" y todo tipo de excesos que no son aceptables en ningún Estado de Derecho. Ahora bien, fracaso...o éxito...sobre qué base? Los que hablan de que el tema no es construir cárceles...piensan que los que hoy están detenidos deben estar hacinados? Que los que son detenidos deben estar a disposición de las comisarias en las que no hay lugares adecuados para que se encuentren? Una cosa no tiene que ver con la otra. Como decía antes, se puede aplicar todo un set de políticas inclusivas, que busquen eliminar la marginación, etc. pero al mismo tiempo tener una política carcelaria como la gente.

Y la justicia? Bien, gracias. Es obvio que como dijo nuestra Presidenta, la justicia lenta no es justicia. Pero para que no sea tan lenta hay que hacer algo. Cuando oigo que "el expediente tiene 5000 folios", "existen 40 cuerpos de expediente", etc. pienso en una maquinaria burocrática que resulta imposible de leer y manejar. Para cumplir leyes primero debe haber condenados y en ese ítem estamos más que flojos. Casi nadie llega a ser condenado debido a la lentitud de la justicia. Para resolver esto me parece que como mínimo hay que dotar a la justicia de más recursos. Esto es, más tribunales, más jueces, más fiscales, más de todo. Pero además hay que revisar el funcionamiento de un sistema judicial que descansa sólo en el papel. Hay que dotar de mayor agilidad a las fiscalías y promover una mayor cantidad de juicios orales. Basta de jueces que concentren poder de investigación...pongamos tribunales en la que cualquier ciudadano común participe como sucede en la justicia anglosajona. Esta evidentemente funciona muy mal. Y lo hará peor porque la población crece a un ritmo mayor que los juzgados. Creo que esta justicia ha colapsado por completo.

Lógicamente, al demorarse la justicia en las condenas se aplican leyes como el 2x1. Todo el mundo es inocente hasta demostrar lo contrario y por tanto tiene su lógica. Usted estaría de acuerdo en esperar años una condena sin haber ido a juicio y siendo inocente? Creo que no.

Lo externo y lo interno

2010-09-23T01:52:00.000-07:00

Se trata de un artículo escrito por el Profesor Eugenio Carutti en agosto del año pasado. El artículo puede seguirse perfectamente aún cuando no se esté familiarizado con el lenguaje propio de la astrología. Es para pensarlo y leerlo más de una vez.

La principal creencia colectiva sobre la que se apoya el ego es que aquello que nos sucede es completamente casual. Estamos convencidos que los eventos de nuestra existencia son azarosos y que las personas que aparecen en nuestras vidas –ya sea que nos atraigan o que nos causen rechazo- son totalmente independientes de nosotros. Nos hemos condicionado para sentir que el mundo externo no tiene relación alguna con nuestro mundo interno. Jung nos indicó la existencia de las sincronicidades, un tipo de acontecimientos en los que sentimos inequívocamente que lo que está sucediendo está íntimamente ligado a nuestro proceso psíquico. Para Jung estos episodios se producen cada vez que el Sí mismo logra perforar la frontera establecida por nuestra personalidad superficial. Entonces, de una manera fugaz y completamente ajena a nuestra voluntad, se nos revela un orden desconocido, lleno de significación.

Desde el punto de vista de la astrología lo que Jung llama sincronicidad está ocurriendo todo el tiempo, nos demos cuenta de ello o no. En el lenguaje astrológico no hay manera de distinguir entre lo "externo" y lo "interno"; lo que sucede "afuera" nuestro –en el mundo- y lo sucede "adentro" de nosotros –en la psiquis- Son dos lados de una misma realidad y si uno se mueve el otro también lo hará. Por eso es ilusorio creer que lo que nos está pasando –nos guste o no- no debiera suceder. No somos un sujeto psíquico en un mundo azaroso de objetos que nos rodean; somos una estructura particular dentro de un campo multidimensional de vibraciones. Por eso atraemos (o somos atraídos hacia) situaciones congruentes con esa estructura. Estas situaciones tienen un contenido que debemos asimilar, que de alguna manera nos corresponde vivir; solo su absorción nos completa y nos puede llevar a un nuevo estado de equilibrio. El problema es que solemos resistir al movimiento de la vida y muchas veces escapamos de aquello que debemos experimentar. Así, nuestras experiencias permanecen incompletas y la misma situación deberá repetirse una y otra vez.

La conciencia realiza un gran salto cuando es capaz de reconocer un patrón recurrente en la propia vida. Detrás de rostros y eventos aparentemente diferentes comenzamos a entrever un dibujo; una trama que permanecía oculta a nuestros ojos. Eventualmente los hechos aparentemente fortuitos de nuestra existencia –dolorosos o afortunados- se unen como en una línea de puntos y reconocemos su verdadera significación. Para la astrología cada uno de nosotros es un diseño viviente, de un enorme potencial creativo. Pero para que este florezca es preciso que no resistamos a los acontecimientos, que aprendamos de cada uno de nuestros vínculos. Que nos reconozcamos en el espejo del destino. Esto no es lo que nos han enseñado. Creemos que nuestra voluntad debe imponerse; que los demás son culpables de nuestras limitaciones; proyectamos sobre el mundo los contenidos desconocidos de nuestra psique y nos enredamos en ellos, sufriendo y causando sufrimiento a los demás.

Tarde o temprano cada individuo debe reconocer hasta que punto su vida es mecánica. Esto va en contra de todas nuestras ideas acerca de la libertad. Pero el hecho es que lo somos. Nuestras acciones generalmente son solo reacciones; la mayor parte de nuestros sueños, deseos y temores no son otra cosa que la continuidad de miedos y deseos colectivos. No queremos aceptar esto. Lo rechazamos mediante todo tipo de argumentos, tanto racionales como místicos. La larga cadena de acciones y reacciones que se expresa a través de cada uno de nosotros es lo que algunas tradiciones llaman Karma. El psicoanálisis ha estudiado las repeticiones que provienen de nuestros padres. Jung nos ha mostrado el inmenso peso de lo colectivo sobre nosotros. Quizás esta cadena sea aún más compleja y provenga de las profundidades mismas de la materia. Pero saber cuales son las causas no es lo importante; sino darnos cuenta cada vez que reaccionamos mecánicamente a los eventos de nuestra vida. Si algo nos sucede es porque teníamos que pasar por allí. De nada vale escapar o pensar que podría no haber sucedido. Sucedió y en ese acontecimiento reside un secreto que debe ser comprendido.

Solemos creer que somos libres cada vez que podemos elegir entre opciones. Pero en realidad si tenemos la sensación de elegir es porque estamos muy lejos de nuestro verdadero ser. Podemos reconocer su presencia porque cada vez que este se expresa no hay alternativas para nosotros. Cuando la personalidad superficial ha perdido contacto con el Sí-mismo, el diseño creador de nuestro ser generará alguna situación en la que no tendremos libertad para elegir; en la que nos sentiremos forzados a pasar por donde más tememos. Pero quizás esa sea la oportunidad para descubrir nuestra verdadera identidad. De enfrentar las consecuencias de la larga cadena de reacciones ciegas con las que estamos identificados; en tanto individuos, en tanto familias, estirpes o naciones. En tanto que humanos.

La Mirada Invisible

2010-08-22T16:33:00.001-07:00

Ayer vimos la nueva película de Diego Lerman que refleja, en el contexto del mes previo a la guerra de Malvinas, el clima de represión y abuso de poder que se vivía en el país, focalizado en el Colegio Nacional Buenos Aires. En ese ambiente autoritario, los preceptores son los guardianes de un orden, donde cualquier desvío sobre reglas que tienen más que ver con la milicia que con un Colegio, debe ser castigado. Julieta Zylberberg está muy bien en el papel de una tímida y reprimida preceptora. Me gusta como Lerman muestra lo contenido de ese personaje que en algún momento puede estallar. Osmar Núñez es el jefe de preceptores: un hombre oscuro que tiene mucho de siniestro. Sin dudas la mejor actuación del film.

Algunos amigos me comentaban, "otra peli sobre la dictadura militar"... A no confundirse. Esta peli está ambientada en esa época pero es un film sobre la opresión como sistema. Un sistema que incluye sistemas menores, como en las capas de una cebolla. Después de todo, el clima del Colegio, con sus formaciones, arengas, etc. no es más que una pequeña dictadura dentro de una dictadura mayor.

La peli está muy bien ambientada e incluso tiene algunos detalles que sólo entenderán quienes hayan vivido esa época. Menos feliz es el desenlace, tema sobre el que no voy a comentar en beneficio de aquellos que no hayan visto la película. Porque de eso se trata: de apoyar una película argentina en su primer semana de estreno comprando la entrada y viéndola en el cine...

PD: Durante 1982 estaba en el 5to. año del Colegio Carlos Pellegrini. Las comparaciones son inevitables y puedo asegurar que la peli no exagera en nada. En nuestro caso Biasutto era Calabrese y de la preceptora no me acuerdo, pero todos la llamábamos el doberman.

María Paula Godoy & Banda, en Notorius

2010-08-16T23:28:00.000-07:00

María Paula Godoy es una atractiva cantante tucumana que, a los 5 años emigró a Sao Paulo con su familia, lugar donde vivió hasta los 28 años. Allí se hizo popular interpretando músicas del folklore nordestino de Brasil y en ocho años de trayectoria grabó dos discos autorales, compartiendo escenario con grandes músicos brasileros como Elba Ramalho, Alceu Valenca y Lenine.

Radicada ahora en Buenos Aires, se presentó esta noche en Notorius donde tuve la oportunidad y placer de conocerla. Luego de una rica cena y un buen vino, apareció en escena junto a su banda: Charly Arana (guitarra), Nico Courreges (bajo), Juan Rivero (piano) y Fabián Miodownik (batería). María Paula tiene una gran simpatía y un hermoso color de voz que lució con un muy bien elegido repertorio que pasó por la bossa nova - para destacar la interpretación de "Chega de Saudade" - , la samba y un par de temas del noreste de Brasil. El climax del recital llegó cuando invitó a Belén Pérez Muñiz a cantar con ella. Belén es hija de Coco Pérez, el creador del legendario café concert "La Fusa", donde comenzó su carrera de la mano, nada más y nada menos que de Vinicius de Moraes. Y de Vinicius hicieron dos lindas versiones de "Se todos fossem iguais a você" y " Sei lá a Vida Tem Sempre Razão".

María Paula no tuvo la fortuna de contar con un auditorio un poco más efusivo, terminando su excelente show con una nota de folklore de su tucumán natal. Repetirá todos los jueves de septiembre en Notorius, así que si no fueron les recomiendo que lo anoten en sus agendas.

La Vida es Sueño, en el San Martín

2010-08-12T22:24:00.000-07:00

Hace un par de días fuímos a ver la versión de la obra de Calderón de la Barca que se acaba de estrenar en el San Martin con dirección del español Calixto Bieito. La puesta es totalmente austera y consta de un enorme circulo de tierra (de lo que darán fe los espectadores que ocupen las primeras dos filas), un espejo gigante - símbolo del barroco - que va cambiando de posición enfatizando ciertos aspectos de la trama y lógicamente el trono que alternan Basilio y Segismundo, el hijo condenado. Acompañan dos músicos flamencos a un costado del escenario y no se necesita mucho más ya que Bleito ha puesto todo el énfasis en las interpretaciones. Este objetivo lo consigue ampliamente con la interpretación de Joaquín Furrier, un Segismundo vulnerable y maldito en el primer acto, que desata toda su locura animal cuando es liberado y que emociona en el monólogo central de la obra. También se destacan Muriel Santa Ana que compone una Rosaura que nos conmueve en el último acto y en menor medida Patricio Contreras como Basilio.

Bleito se toma unas cuantas licencias ya que al margen del vestuario y la mezcla de español antiguo con cierto porteño bien de barracas que hace ruído al oído, el director transgrede innecesariamente con el personaje Clarín de Pacha Rosso, que por momentos habla con el público, se mete entre las primeras filas como si estuvíeramos en el espectáculo de Alfredo Casero y en un momento se pone a cantar el jingle del Zorro. Too much para mi gusto porque lo que hace es sacarnos del clima de la obra. Tampoco se luce Osvaldo Santoro al que apenas podíamos entender y eso que estábamos en la sexta fila. Más allá de estos temas y ciertos gritos excesivos que no se traducen siempre en intensidad, la obra es buena, en particular por las ya destacadas actuaciones de Furrier y Santa Ana.

Cristóbal Colón en la Facultad de Medicina

2010-08-05T23:14:00.000-07:00

Ayer vimos en casa esta película con José Marrone de 1962, dirigida por Julio Saraceni. Aunque la copia está en estado deplorable, con escenas cortadas y remates truncos, siempre es un placer disfrutar de la picardía de Marrone, acompañado en esta película por su mujer Juanita, la siempre graciosa Nelly Lainez y José María Langlais. La trama es simple. Marrone es el mozo de un bar que sueña con llegar a tener uno propio. Como tiene una memoria prodigiosa, se anota en un concurso de preguntas y respuestas donde el locutor es Orlando Marconi (viejo conductor de la tele en programas como Feliz Domingo, antes de Silvio Soldán) mientras por la tele lo siguen muchos de sus compañeros de la pensión en la que vive. En esa pensión se dan varias situaciones graciosas en las que Marrone se luce, mezclando el humor inocente con otros en los que brilla el doble sentido. Imperdible las escenas en la comisaría y el famoso examen en la facultad haciéndose pasar por uno de sus amigos.

Marrone junto a Orlando Marconi haciendo gala de su memoria prodigiosa

Luego de la película nos quedamos hablando con mi hija sobre Marrone, los recuerdos que me traía de cuando lo veía en la tele blanco y negro, de sus "cheee" y de sus "mamita querida". Viendo el estado de la película, supongo que es muy probable que no esté preservada. Otras películas como "El mago de las Finanzas" o "El Turista" están disponibles? Son todas estas cosas las que hacen que uno no pueda dejar de pensar en la necesidad urgente de reglamentar y poner en funcionamiento cuanto antes la Cinemateca Nacional.

Agosto, en el Lola Membrives

2010-07-31T22:04:00.000-07:00

Finalmente vimos "Agosto". Esta noche fuimos con mi hija al Lola Membrives. Debo decir que me gustó, dejando de lado el garrón de un señor que se descompuso sobre el final de la obra (suspensión, primeros auxilios, ambulancia, sustos varios). Pensé por un momento que se suspendería la obra, lo que hubiese sido comprensible. De reojo observaba a Mercedes Morán, en ese momento en escena, preocupada como es lógico, atenta a lo que pasaba con el espectador en desgracia. Tras un intervalo, los actores lograron seguir y retomar el ritmo de la obra. Si hubiesen suspendido, repito, hubiese sido justificado y entendible. Esperemos que el señor en cuestión se haya repuesto y esto haya sido solo un susto.

La obra como dije me gustó. Lo que no me convenció tanto es la adaptación de Mercedes Morán sobre la obra de Tracy Letts. A ver, la obra es americana, transcurre en Estados Unidos y alude a un par de situaciones secundarias propias de ese país. Eso se mantiene en la obra pero con agregados locales, tanto en el uso del lenguaje, ya sea en algunas palabras o modismos y cierto roce con el grotesco que es bien característico de nuestro teatro. Tal vez hubiese sido mejor trasladar todo a un ámbito local, sabiendo que la temática de la obra es universal. Es más, no es dificil encontrarse con alguno de esos personajes dentro de nuestras propias familias, en mayor o menor medida (tema del que hablabamos con mi hija en el entreacto de la obra). Si tuviese que agregar otra crítica sería sobre el sonido. Estábamos ubicados en la fila 11 y sin embargo algunos diálogos no se escuchaban muy bien. En una obra de esta categoría es algo que no debería suceder.

Las actuaciones son todas adecuadas. En particular, Norma Aleandro está bárbara. Ahora si hay alguien que está fantástica es Mercedes Morán. Me encantó su trabajo, de gran ductilidad para ir mostrando el declive constante de su personaje. También se destaca Antonio Hugo: su discurso de sobremesa arrancó muchos aplausos. Finalmente, Mónica Lairana tiene un papel secundario pero exquisito.

Done dinero y ayude a preservar un Hitchcock

2010-07-06T18:09:00.000-07:00

Aparecer en los títulos de crédito de nueve películas de Alfred Hitchcock está al alcance de la mano de cualquiera al precio de 6.000 euros. El British Film Institute (BFI) hizo un llamamiento público sobre el estado de nueve clásicos de dicho realizador que requieren restauración urgente. Son las obras más tempranas de Hitchcock, y su restauración vale en torno al millón doscientos mil euros. Adoptar o apadrinar una de estas películas se puede hacer a través de una web habilitada por el Instituto y que puede consultarse haciendo click en el siguiente link

El BFI también promueve una búsqueda nacional de 75 cintas perdidas y elaboro una lista de las "más buscadas", liderada precisamente por la película muda de Hitchcock The Mountain Eagle (1926). Fue una de sus primeras películas y la única extraviada de este director.

Con los negativos originales deteriorados de las primeras películas inglesas de Alfred Hitchcock, el British Film Institute tiene previsto a través de este sistema de donaciones abierto al público preservar las siguientes películas:

The Pleasure Garden

The Lodger

The Ring

Downhill

Easy Virtue

The Farmer's Wife

Champagne

The Manxman

Blackmail

The Pleasure Garden (1925) constituye el debut como director de Hitchcock mientras que las siguientes ocho películas fueron producidas entre 1925 y 1929. Películas como The Lodger son consideradas como el primer Hitchcock y otras como Blackmail evidencian la maestría del director en la primer película sonora del cine británico.

De acuerdo con las estimaciones del BFI, una donación de £25 (unos $ 125 aproximadamente) son suficientes para restaurar 50 cm de film. De acuerdo a ese cálculo estiman que con £100,000 podría restaurarse una película completa.

Por cada contribución de al menos £5,000, el donante recibirá un crédito en los títulos correspondientes a la película restaurada. Algunas películas como The Pleasure Garden se consideraban pérdidas hasta no hace mucho tiempo y otras no eran proyectadas en las condiciones adecuadas, en parte por negligencia en la preservación del material, algo que extraña tratándose de películas realizadas por un cineasta indiscutido como Hitchcock.

The Mountain Eagle, fue hecha en Kentucky y cuenta la historia de una joven profesora llamada Beatrice, forzada a dejar el pueblo de la montaña donde vivía tras rechazar los avances de la justicia local de la paz.

A nivel local y como ya se ha señalado en varios artículos de este blog, el acervo audiovisual argentino (que no está compuesto únicamente por películas argentinas) se encuentra en una situación crítica. En ese sentido vale recordar los conceptos que el historiador y coleccionista Fernando Martín Peña expresa en la siguiente entrevista que reproducimos a continuación a través de este link.

Digamos NO a la minería a cielo abierto

2010-06-30T20:51:00.000-07:00

De forma más o menos esporádica podemos encontrar algún artículo o algún programa televisivo que alerta sobre el daño ambiental, social y cultural que producen las grandes compañias mineras transnacionales a través de la explotación minera a cielo abierto. Esta técnica que busca maximizar la rentabilidad genera importantisimos daños a partir de la extracción por lixiviación con cianuro. Esta afirmación no es una mera especulación de activistas más o menos trasnochados sino que está sustentada en múltiples estudios internacionales, como por ejemplo los de la National Wildlife Federation de los Estados Unidos. Las principales consecuencias de esta actividad verdaderamente devastadora son las siguientes:

A la vez que se extraen millones de toneladas de mineral de minas a cielo abierto y se les trata con millones de galones de solución de cianuro, las operaciones que utilizan la extracción por lixiviación con cianuro trastornan los hábitats de la vida silvestre y las cuencas hidrográficas, y pueden redundar en una multitud de riesgos para la salud y el ambiente. Estos impactos pueden manifestarse durante varias fases de la operación.

Los estanques de cianuro seducen a la vida silvestre. Ha sido registrada frecuentemente la muerte de animales silvestres, en especial aves, atraídos por el señuelo de los espejos de agua de esos estanques. La extensión generalizada de la mortalidad de animales silvestres en las instalaciones que utilizan dicho proceso ha provocado la preocupación de los organismos defensores de la vida silvestre en varios países.

Después de la lixiviación, el cúmulo de mineral ya procesado contiene todavía vestigios de la altamente tóxica solución de cianuro, así como de metales pesados concentrados que han sido precipitados del mineral. Muchas operaciones optan por tratar los desechos contaminados con cianuro enjuagando con agua fresca el cúmulo hasta que la concentración de cianuro baje a un nivel inferior al máximo permitido (este nivel varía entre los estados y países). Una vez que la concentración de cianuro baja al nivel permitido, normalmente se deja en el lugar el material ya procesado, se compacta y puede que se haga o no se haga el esfuerzo de reconstruir ecológicamente el sitio. Naturalmente como ello conlleva un costo, las empresas preocupadas por maximizar su utilidad no hacen ningún esfuerzo en ese sentido.

Si no se enjuaga totalmente el mineral usado y la roca de desecho, o si se le deja sin tratar, el cianuro puede seguir filtrándose al medio ambiente. Tanto el cianuro como los metales pesados liberados por él (entre ellos se encuentran arsénico, antimonio, cadmio, cromo, plomo, níquel, selenio, talio) y otras sustancias tóxicas que se encuentran en el cúmulo y los lixiviados (por ejemplo sulfuros), son una amenaza para las quebradas, ríos o lagos, para las fuentes subterráneas de agua y para los peces, la vida silvestre y a las plantas.

Las soluciones de cianuro utilizadas en la minería pueden filtrarse a las aguas subterráneas.

Los problemas a largo plazo derivados de la lixiviación de metales pesados de los cúmulos de desechos de las operaciones que utilizan la extracción por lixiviación con cianuro probablemente exceden el impacto directo del cianuro en sí.

El cianuro utilizado en el proceso de extracción por lixiviación puede ocasionar -- y ocasiona-- daños ambientales. Las dos clases más comunes de escapes de cianuro al medio ambiente en operaciones de extracción por lixiviación resultan de: a) Forros (geomembranas colocados debajo de los cúmulos y los estanques) que permiten filtraciones debido a un diseño inadecuado, a defectos de manufactura, a inadecuada instalación y/o a daños (agujeros) producidos durante el proceso de operación; b) Soluciones que se desbordan de los embalses de almacenamiento. Estos escapes causan daños a las plantas y a los animales que tienen contacto con concentraciones letales de la solución de cianuro, y representan una amenaza a largo plazo para las aguas subterráneas.

Generalmente, los embalses de almacenamiento son diseñados para resistir grandes tormentas y crecidas. Sin embargo, no siempre impiden los desbordamientos. Los metales pesados y el agua contaminada con cianuro que escapan de un embalse de almacenamiento ocasionan mayores daños cuando fluyen directamente a cursos naturales de agua. La solución que escapa puede ser suficiente para matar peces y otras formas de vida acuática, o para contaminar recursos de agua potable.

Existe evidencia que estos trastornos también impactan en las poblaciones cercanas, con efectos dañinos para la salud y generando un impacto económico adverso para las comunidades que sufren la presencia de alguna de estas mineras.

Como ciudadanos es nuestro deber alertar sobre las consecuencias de este tipo de actividad en cada una de nuestras comunidades. Existen numerosas ONGs que están generando campañas de concientización sobre este tema más allá de que existen trabas que buscan silenciar estas opiniones. Pero Internet nos da la posibilidad de saltar todas estas barreras a través de diversas herramientas de comunicación: blogs, tweeter, facebook, comentarios en las páginas de diarios y revistas on line, etc. Usémoslas!!

=> Video Míneria a cielo abierto en Argentina

Los problemas del Ego

2010-06-27T21:30:00.001-07:00

Un científico que desde hace muchos años venía trabajando en la clonación, un día decidió cruzar la frontera y experimentar la reproducción perfecta de un ser humano. Dado que este tipo de experimentos se encuentra prohíbido sea por razones éticas o religiosas, no se le ocurrió mejor idea que trabajar con sus propias células.

Así las cosas, un día logro reproducirse a sí mismo de una manera tan perfecta que resulta imposible al ojo humano distinguir entre el clon y el original. La relación que tenía el clon con el científico era más o menos como la de un siervo hacia su Amo. Jamás le contradecería puesto que el Científico le había dado la vida, era el Creador.

Un día llegó a oídos del científico que Azrael, el Angel de la Muerte, había venido a buscarlo. Como no quería tomar riesgos, hizo doce copias de sí mismo con la esperanza de evitar su destino. Cuando Azrael llegó, no sabía cómo averiguar cuál de los trece era el verdadero científico. Sin embargo, como era un experto en la naturaleza del hombre, inmediatamente descubrió como dar con la persona que buscaba.

Dijo Azrael: "Señor, debe ser Ud. un genio para lograr estas maravillosas reproducciones de sí mismo. Es una pena que su obra tenga un imperceptible e insignificante defecto, de lo contrario habría Ud. alcanzado la perfección".

El científico pegó un salto y gritó: "¡Imposible! ¿Dónde está el defecto?".

"Justamente aquí", respondió Azrael mientras separaba al científico de sus clones y se lo llevaba consigo. "La adulación o la crítica hubiese sido inútil con sus creaciones mas no lo es para el hombre. Es lo único que hace falta para dejar su "ego" al descubierto.

Extrañamos tanto a Tato...

2010-06-14T21:56:00.000-07:00

“Cuando empecé a escribir estas cosas, los chicos y mis amigos insistían en que tenía que escribir algo así como mis memorias laborales, desde que comencé allá en 1945 hasta la fecha. Y yo decidí que tenía que escribir, no sobre cosas que pasaron hace cincuenta años, con nombres y apellidos que pocos o nadie recuerda, sino que tenía que referirme a lo que la gente conoce." Esta es la idea que guió a Mauricio Borensztein a escribir sobre pasajes de su vida a lo largo de 1994 y en pleno tratamiento médico contra el cáncer que le habían diagnósticado unos meses atrás.

Esa escritura que llevaba prolijamente en un cuaderno, le permitió mitigar las penurias físicas de la enfermedad pero tambíen sobrellevar algunas penas espirituales originadas en los problemas para reinsertarse en la televisión luego de haber ganado cuatro premios Martín Fierro con su último programa "Good Show". Esta indolencia, ingratitud u olvido para con nuestros grandes cómicos no es nueva. También la ha sufrido Pepe Biondi por mencionar sólo a uno de los grandes cómicos que siguen haciéndonos reír.

Los apuntes de Tato son la columna vertebral del libro, con material inédito que reflejan anécdotas personales y profesionales del "Actor Cómico de la Nación". Así conocemos en las propias palabras de Tato anécdotas referidas a sus comienzos, a sus afectos y también a sus temores. Sus enemistades con personajes como Romay o Neustadt o las dificultades a la hora de renovar contratos. Nos acercamos a un Tato crítico y reflexivo pero también al Tato preocupado por su familia, cariñoso y también chinchudo.

Estas memorias quedaron truncas luego de haber resistido casi dos años la enfermedad, por lo que el libro se completa con los aportes de Carlos Ulanovsky, periodista e investigador. Ulanovsky tiene el mérito de reunir un valioso material de investigación aportado tanto por la familia de Tato como de archivos periodísticos. Existe un gran número de fotos que ilustran el recorrido de Tato por la radio, el teatro de revistas, la televisión y desde luego su vida familiar.

Recuerdo desde muy chico ver la figura de ese señor con peluca, anteojos y frac hablar por la tele. Claro, a los cinco años estaba más entretenido en jugar con los Duravit, pasar por el tocadisco el extraño de pelo largo o jugar a "batman" pero que lo registré, lo registré. Luego con mi familia estuvimos ausentes varios años hasta que, de regreso en Argentina, el comienzo de mi secundario coincidió con un especial de Tato para la televisión en 1978. Pregunté si era el mismo tipo que recordaba de mi niñez y me dijeron: "sí, es el mismo pero hace un humor que no vas a entender porque no sabés nada de politíca. Todavía sos chico". En ese momento lo ví y creí entender todo. Me equivocaba. Cuando todavía lo veo en alguna repetición, me admiro de su vigencia, o tal vez de nuestra estupidez. Como sea, hay un testimonio del pasado que indica que hay algo que no terminamos de entender y por suerte no existe la máquina de cortar boludos.

En todos los ciclos de Tato, el eje eran sus monólogos pero también una galería de personajes, pasando por Federico Peralta Ramos ("Tato, hay una generación entera de gente que no me conoce, por eso ahora me dedico al rock"), el "corrupto" de Carnaghi, la Acher con su mujer embarazada durante años porque su hijo no quería nacer en un país como la Argentina, el sindicato de chorros, enfin un montón. Y también estaban los pasos de baile, en los que Tato destacaba por el swing de un tipo con mucha onda. Y sobre el final, el plato de fideos con el invitado. Recuerdan cuando Tato le dijo a Menem que le recordaba a Chancey Gardiner, aquél personaje de la película "Desde el Jardín", protagonizado por Peter Sellers? Genial.

Con su amigo Roberto Carnaghi, el "corrupto" que progresa con los años

Todos los que tienen más de 30 años saben perfectamente de qué les estoy hablando. A ellos les recomiendo este libro, entre otras cosas para no extrañar tanto a Tato como dice el título. Después de todo, no nos hemos preguntado más de una vez frente a la coyuntura actual, qué diría Tato de todo esto? Y a los que tienen menos de 30 años y no lo conocieron, también se los recomiendo. Es una forma muy entretenida de descubrir a un artista único e irrepetible que traducía la realidad de entonces (y ahora) mediante ráfagas de brillante ironía.

Ficha técnica:

Título: Tato. Memorias inéditas y biografía del actor cómico de la Nación.

Editorial: Emecé.

Páginas: 392 páginas.

TATO Y LA NEGOCIACION DE LOS CONTRATOS

Reflexiones sobre el Bicentenario

2010-06-01T21:21:00.000-07:00

Pasados ya los festejos del bicentenario, muchos se escribió, mucho se discutió y mucho se interpretó según los intereses en cuestión. Las discusiones fueron de lo más variadas: sobre si hubo tres millones o un millón de personas en la 9 de julio, si CFK tenía que ir o no al Colón, si está bien gastar tanto dinero en festejos cuando hay otras carencias, si los festejos beneficiaron más al matrimonio K o a Macri, si el Tedeum en Luján o el Tedeum en Catedral, si TN no cubre el evento, que si lo cubre por qué lo hace, si en 1910 estábamos mejor porque eramos una de las primeras 6 potencias del mundo, que si en 1910 los que estaban bien eran unos pocos y ese modelo no era ejemplo de nada y muchas, muchísimas cosas que se dijeron todos estos días. Hubo análisis periodísticos, encuestas, trabajos de diferentes sociólogos...pero lo que queda claro es que muchas de estas discusiones estaban más en los periódicos o en la cabeza de los políticos que en el sentir de la gente que invadió las calles.

Muchos análisis se han hecho sobre la comparación entre 1910 y 2010 pero son realidades muy distintas y difíciles de comparar. En 1910 había una Argentina pujante económicamente pero para pocos; una aristocracia dominante preocupada por el crecimiento de la "chusma", por los inmigrantes que traían ideas peligrosas de Europa (el anarquismo) y por conflictos sociales encauzados a través de la aplicación violenta de la ley de residencia o la simple represión. Tampoco hay que caer en el otro extremo. Después de todo la Argentina no era un caso aislado en el mundo y no eran muchos los países avanzados en materia de legislación social y derechos al trabajo. Lo que sorprende es que en pleno 2010 existan estas visiones maniqueas donde o bien el primer centenario no tuvo nada de bueno y se condene a aquél país (el nuestro) manejado por un puñado de oligarcas o por el contrario sean todas loas hacia la Argentina potencia, "el sexto país del mundo", lamentando el camino transcurrido desde entonces e ignorando las tremendas desigualdades que sufrió buena parte de nuestra población, con muy pocas excepciones en el Siglo XX y económicamente sostenidas por gobiernos militares que aplicaban políticas de exclusión que contaban con el agrado de las clases dominantes de antaño.

La verdad normalmente no está en un solo lado. Si en aquél entonces venían muchos inmigrantes era porque había un clima de optimismo en el desarrollo de este país del sur, algo que también ocurrió a mediados del siglo pasado. Siempre recuerdo la anécdota que contaba "el viejo" Najdorf cuando eligió la Argentina para vivir. Polaco de nacimiento y gran jugador de ajedrez, había llegado a nuestro país para la Olimpíada ajedrecística celebrada en Buenos Aires en 1939, poco antes del inicio de la Segunda Guerra Mundial. La Guerra estalló durante su estadía en Buenos Aires y al cabo de un tiempo, viajes y contactos mediante, tomó conocimiento que había perdido a toda su familia en un bombardeo nazi. Asi que buscó un país para residir y allí tuvo presente que en Argentina no se hablaba de "ganar el pan diario" sino de "ganar el puchero diario", considerando que eso reflejaba las posibilidades del país. Creo que ese pensamiento refleja el pensamiento de muchos inmigrantes de aquél entonces y de aquellos que vinieron en la época del centenario.

Esa situación de optimismo y confianza en el desarrollo del país en mi opinión ya no es la misma que mal o bien existía 100 años atrás. Nuestros políticos actuales carecen de preparación y su nivel cultural se limita a bailar en el programa de Tinelli. No son capaces de defender ideas porque la mayoría no las tienen y mucho menos podremos verla reflejadas en un libro que, en caso de ser editado, reproducirá un reportaje dialogado llevado adelante con la complicidad de algún periodista amigo. Y cuando me refiero a su nivel cultural o su preparación, no hago juicio de valor sobre sus intenciones. Roca fue un genocida y un hombre al que el pueblo le interesaba bien poco, pero no era un zoquete incapaz de hilar dos ideas juntas como sucede con la mayoría de nuestros políticos, muchos de los cuales ni siquiera saben hablar en público.

Quiero ser optimista y creo que tarde, dolorosamente, con gran costo el soberano va aprendiendo. Nos llevó décadas aprender a valorar la democracia y dejar atrás el horror de las dictaduras. Creo que nos llevará algo más de tiempo pero tengo esperanzas. Tanta gente festejando en las calles, a la que le importaba tres carajos la politiquería, con sus chicos, con sus padres, me da esperanza. Tanta gente alegre en el país del tango, no puede ser malo.

Un Principe de Persia muy aburrido...

2010-05-31T21:41:00.000-07:00

Avisado de que no existen buenas películas de video juegos y vice versa, Príncipe de Persia no es la excepción a esa regla sino más bien la confirmación más acabada de lo que puede parecer un simple prejuicio. Mike Newell, director de comedias diversas pero también del último Harry Potter, hace una labor a mi juicio muy desacertada. Si la película rinde excesivo "homenaje" por decirlo amablemente al Ladrón de Bagdad, no es menos cierto que el guión basado en la versión de "las arenas del tiempo" es muy flojo. La historia gira alrededor de los poderes mágicos de una daga que al accionarse permite retroceder en el tiempo y cambiar lo que no nos gustó. Este tipo de artefactos podrían resultar muy útiles en la vida real, por ejemplo para saber que no debemos entrar a ver esta película.

A pesar de la belleza del desierto, la escenografía montada con un presupuesto nada despreciable, es muy díficil mantener la atención en un filme repleto de lugares comunes y donde todo resulta previsible. Para colmo las interpretaciones no logran revertir esta sensación. Jake Gyllenhall fue una desacertada elección. Lejos de papeles como los interpretados en Donnie Darko o en Brokeback Mountain, este actor cuyo mayor éxito fue seducir a Natalie Portman, no tiene ni el carisma ni la picardía para interpretar al Príncipe de marras.

Un párrafo aparte merecen Alfred Molina y Ben Kingsley, una vez más haciendo de villano, algo a lo que nos tiene acostumbrados ultimamente. Supongo que las razones para participar en semenjante fiasco han sido suficientemente abultadas para dejar atrás esta experiencia. Buenos actores, llevan decorosamente sus papeles en una historia tonta, muy tonta...casi tanto como la bobalicona Princesa interpretada por Gemma Arterton.

Lejos de Gandhi, a Ben lo vemos últimamente en cada proyecto...

Algunos gags aislados y la carrera de avestruces resultan demasiado poco para resistir esta tortura árabe de casi 2 horas de duración. Todo indica que hay intenciones de generar secuelas varias emulando al video juego. Todo dependerá de la taquilla...

Iron Man still rocks...

2010-05-18T22:55:00.000-07:00

La segunda peli de la saga de Iron Man despertó menos entusiasmo que la primera. Coincido con la crítica que leí de Chandler en que parte de esta sensación se explica en la sobre expectativa que hubo sobre la peli, algo que no ocurrió con la primera. Creo que una segunda mirada sobre el film hará cambiar de opinión a más de uno.

Que la peli no tuvo tanta acción como la primera, que los efectos especiales no lucen de la misma manera, que luego de la presentación de AC/DC sólo se escucharon un par de temas...enfin. Vamos por partes. En efecto la peli muestra una mayor participación de Downey Jr. como Stark que como Iron Man. Es más, cuando está con la armadura, muchas escenas lo muestran sin el casco. Pero hay una razón muy poderosa para esto y que escapa a los que no conocen el comic, una razón totalmente lógica y que no es compartida por otros superhéroes, sean Marvel o DC. Y al comienzo de la peli lo muestran con toda claridad...Tony Stark reconoce públicamente que es Iron Man. Punto viejo...todo dicho. Acá el drama no está en el enmascarado (Batman es menos verdadero que Wayne?; Acaso Spidey no ha maldecido muchas veces sus poderes?) sino en el Tony Stark de carne y hueso. Quiere disfrutar de su vida pero el tipo se da cuenta que el mismo invento que lo mantiene con vida también lo está matando. Le da al whisky que da calambre, algo que la peli comienza a insinuar como un problema que tal vez se desarrolle en otra secuela (el problema alcohólico de Stark es el tema principal del nro. 128 de Iron Man, el clásico "El demonio en la botella") y para colmo carga con cuestiones del pasado que la aparición de un nuevo archi villano traerán a la luz. Creo que el hecho de poder sostener fantásticamente la peli a pesar de centrar la misma en el personaje de Stark es un gran mérito, la hace una muy buena película y no un mero entretenimiento pochoclero!!

Los efectos especiales no lucen de la misma manera? Pero se levantaron y fueron al baño en la escena de carreras en Montecarlo??? Esa escena vale ya por sí sola el precio de la entrada. Y eso que luego vendrán las escenas de acción al por mayor con los drones, War Machine o la Viuda Negra. Ahhh está el tema de la banda sonora. Sí, es verdad, hay sólo dos temas de AC/DC, entre ellos Highway to Hell al mango... y algunos temas de The Clash también... Creo que huelgan los comentarios.

Iron Man y War Machine se estudian como en el box. Luego se cagan a trompadas...

Si en la primera que me encantó puse una mínima objeción con la elección del villano, en este caso la elección fue un hallazgo. En otra licencia que se toma el cine para cambiar el comic perfectamente justificada, se combinaron dos personajes (Crimson Dynamo y Whiplash) para crear a Ivan Vanko, muy bien interpretado por Mickey Rourke.

Qué buen actor es Rourke. Está magnífico e incluso visitó Rusia para aclimatarse al personaje

La Paltrow como siempre está muy correcta pero nuestros ojos se desvían inevitablemente en Scarlett Johansson. Pero por más linda y buena actriz que sea, debo decir que no da el personaje de Natasha, la Viuda Negra. Una elección muy superior hubiese sido Angelina Jolie, una actriz que estaba en los planes de Jon Favreau pero que por alguna razón que desconozco no terminó participando del proyecto. Vean dibujos del personaje y me darán la razón.

Scarlett...bellísima pero no es la Viuda Negra. Mala elección de casting

Correcto aunque con muy poco tiempo en pantalla está el Fury de Samuel Jackson, un personaje que cambió de color al igual que Kingpin en el cine. Finalmente Sam Rockwell se luce como el némesis empresario de Tony Stark, otro personaje enjuvenecido respeto del comic para generar una mayor rivalidad.

La peli presenta algunas curiosidades que anticipan lo que la Marvel nos prepara a futuro. Aparece el escudo del Capitán América en un gag, hay una alusión a los Vengadores sobre el final de la peli y luego de los créditos aparece en un crater en el desierto el martillo de Thor. Más allá que en un tiempo nos espera el Thor de Kenneth Branagh, esto pareciera aludir al final de una de las historietas de Civil War. Veremos...

Boston Calling - Ultimos Días

2010-03-23T23:10:00.000-07:00

Ultimos días y se cierra la crónica del viaje a Boston. Hasta el jueves, toda la mañana y la tarde estaba ocupada por un Congreso al que concurrí por temas profesionales. Hubo escasa presencia latinoamericana pero suficiente para conocer nuevos amigos de Colombia, Paraguay y también de la Argentina entre expositores y concurrentes. Al cierre de cada jornada no había demasiado entusiasmo para hacer trasnoche prolongada pero sí para al menos ir a cenar y tomar una copa.

La primer noche de hecho fui solo ya que mis compañeros prefirieron acostarse temprano. Así que busqué un lugar a pocas cuadras del Hotel, un restaurant llamado Sel de la Terre (en francés, sal de la tierra). Para acceder al mismo hay que pasar por el Mandarín Hotel, un cinco estrellas puro lujo y que parece tener el mejor spa de Boston. Al llegar al restaurant se puede ver que el lugar se especializa en comida naturista (de esto me entero cuando ya estoy sentado, pero todo bien con la comida naturista). El mozo que era más gringo que John Wayne, buscaba ser bastante amable pero no empezó del todo bien. De alguna manera insistía en que había que pedir una entrada...y no es que yo estuviera negado a eso, pero no había nada que verdaderamente me gustara. Solo el foie gras de canard (que sería un paté de pato) pero venía con un montón de cosas y ya se hacía muy caro todo (y eso pensando en dólares!). Así que, no, no ...vamos al main course y ahí elegí un paillard de ternera con un arroz en salsa con un vaso de vino tinto español, un vino de Rioja. Y ahí todo empezó a mejorar...la ternera exquisita, la salsa también, el vino para que les voy a contar. No pensaba pedir postre al principio pero la estaba pasando bien así que ... fuimos por el postre...una tarta tatin con una bola de crema y nueces con un espresso doppio (este mejor que el de starbucks).

Para la noche siguiente sugerí ir a un lugar donde se pudiera escuchar buen jazz. Una de las azafatas del hotel me recomendó el Top of the Hub, un lugar que queda en el último piso de la Prudential Tower. Fuimos con mi tocayo Javier y Claudia de Colombia y con Claudia de Argentina. El restaurant, muy elegante, ofrece una excelente vista de Boston. Tomamos unas cervezas hasta que logramos ubicarnos pero no conseguimos una mesa cercana al show, así que tuvimos que conformarnos con oir la música. Todos elegimos algún plato basado en pescado o carne pero la Claudia colombiana no parecía conseguir nada apropiado. Allí nos enteramos que es vegetariana y que cualquier rastro de carne del animal que fuese le provocaba alergia. Vaticinó que en general cualquier alimento tiene algún rastro de este tipo en la dieta americana, ya sea un caldo, cualquier cosa. Como ensalada no quería comer le sugerimos que pidiera unas pastas...no, que la salsa va a tener algo... pero no, pedí tranquila que aclaramos bien que sos vegetariana, no te preocupes. Bueno, las pastas tenían "algo" que detectó al instante. Pero estas pastas no tienen nada...sí, sí que tienen, vamos a preguntar. Vino el mozo y al final todos nos terminamos enterando (incluyendo el mozo) que algún rastro de carne había en la salsa...enfín. Reparado el tema cenamos, intercambiamos opiniones de todo tipo, pasando por las realidades políticas argentina y colombiana.

Junto a Javier y las dos Claudias en el Top of the Hub

Durante los almuerzos en el Congreso (todos en el mismo Hotel) conocí un par de americanos interesantes pero más que nada en lo profesional ya que el ámbito no daba demasiado para hablar de otras cosas. Esa misma noche buscamos otro lugar para cenar y nos acompañaron algunos expositores. Fuimos a un lugar bien gringolandia porque uno de los acompañantes no podía comer pescado. Así que yo que quería ir a probar langosta (plato típico de Boston) tuve que dejarlo para otro día. El lugar se llamaba The One y el número resultó premonitorio sobre la calidad del restaurante ya que ni siquiera llegaba a ser de cuarta.

Como no fuí el único en aprovechar la estadía en Boston para conocer un poco más esta ciudad, los dos días siguientes salimo de recorrida ya desde la mañana. Conocimos Harvard University, un lugar precioso con una arquitectura muy particular. Muy lindos parques y jardines, mucha historia (Boston fue de hecho cuna de la revolución de 1776) y una atractiva guía que era la hermana de Claudia (vino de Colombia hace unos años y se quedó a vivir allí).

El parque aledaño a la Biblioteca de la Universidad de Harvard

También hicimos el camino de la libertad, un sendero trazado para los turistas para que vayan recorriendo los hitos de la revolución a través de distintos lugares históricos seleccionados. Así pasamos por un par de cementerios (suena lúgubre pero hay varios en Boston donde descansan los héroes de la revolución), por el balcón de donde habló Washington, iglesias (destacando la de San Carlos donde la gente garpaba para "reservar" un palco para la misa), estatuas varias, la casa de Paul Riviere (no entramos).

Boston tiene su Chinatown que no es muy grande y su Little Italy que tampoco es tan chica cuando uno hace la comparación con New York. En el barrio italiano encontramos un vero ristorante donde lógicamente pedimos un chianti y comimos pastas, carne y pescado. La atención buenísima a pesar del mozo que se hacía el tano y cuando le hablaba en italiano cambió de tema.

Luego seguimos para el lado del Rio Charles y cruzamos el puente que nos llevó hasta el puerto donde hay un barco-museo en el que nos sacamos varias fotos. Entre una cosa y otra pasamos por varias calles que parecían postales, incluso por una de las locaciones donde Scorsese filmó The Departed con Nicholson y Di Caprio. En la parte céntrica hay muchas tiendas de antiguedades y cerca del Quincy Market en el downtown Boston muchos lugares de ropa de primera marca, librerías, enfin algo que cualquiera con una generosa tarjeta de crédito sabría apreciar.

Para la cena nos pusimos de acuerdo para ir al Prudential Center (unas galerías conectadas con el hotel donde está el shopping más exclusivo de Boston) y nos decidimos por las langostas del Legal Sea Food, un legendario restaurant bostoniano que tiene ya casi 50 años. Delicioso, todo regado adecuadamente por un vino chileno. Fuimos con Claudia y Javier, realmente no tuvo desperdicio, tanto que el día anterior a irme fui al mediodía a comer en la barra de este mismo lugar un plato similar. Igualmente exquisito. Más tarde por la noche pasamos por Newbury Street, una calle muy chic y con varios lugarcitos interesantes para tomar algo. Probablemente por la época uno veía allí mucha juventud local, muy pocos turistas.

Mi último día no lo pasé en Boston, aproveché la última jornada para tomarme el tren y viajar hasta Salem, una localidad a unos 70 Km de Boston reconocida por las historias de brujas en el siglo XVII. Muy pintoresco aunque muchos lugares abren en las vacaciones de verano (ignoro la razón). Cualquier cafecito en Salem parece de lo más recomendable y no es muy caro. Allí encontré un lugar totalmente imprevisto. Había encontrado algunas comiquerías pero no había encontrado nada que valiera la pena. O no interesaba o era muy caro. Pero Salem me sorprendió con una comiquería que haría las delicias de cualquier coleccionista de comics. Allí encontré varios ejemplares de Avengers, Capitan America y Spiderman. Algunos números que tuve en mis manos cuando tenía 10 años, aunque en italiano...recuperados en el comic original y a precios de risa. También encontré un importante número de colección de Spiderman, algo caro pero en impecables condiciones.

En resumen, Boston fue una excelente experiencia profesional, turística y de aprendizaje. Una ciudad muy limpia y ordenada (herencia de los puritanos?), con una arquitectura muy característica y en donde uno siente que puede caminar seguro. Sí, también puede haber bastante copete levantado... pero la ciudad no tiene la culpa.

Boston Calling - Día 3

2010-03-16T22:44:00.000-07:00

Sigue lloviendo...más que los días anteriores. Eso arruina mi plan de caminata leggera...así que eso va a quedar para el jueves a la tarde o el viernes ya que mañana empieza el congreso que ocupa mañana y tarde. Sin caminata, el plan es meterse en un cine...o más museos. Está la exposición de Edgar Allan Poe (que nació en Boston) que por otra parte era uno de mis planes previos al viaje. Así que me mando para la Biblioteca Pública que además tiene la gran virtud de estar a una cuadra del Hotel...Es increíble lo que se puede uno mojar en dos cuadras! Entro al Museo. Le pregunto a un rubio que está de guardia...3rd. floor...ok subimos, y ahí nomás me encuentro con la sala dedicada a Poe. Resulta que el año pasado fue el bicentenario del nacimiento de Poe...lo festejaron y todo...pero esta exposición la hacen ahora. Bueno, entro y me encuentro con un profesor dando una charla para alumnos de un colegio secundario. La charla está muy buena, el tipo muy copado dando un montón de detalles sobre la vida de Poe. Realmente fascinante. El tipo termina dedicándome la charla porque los pibes se aburren como locos y se cagan de risa. Esta escena se repetiría en cualquier lado y Boston no es la excepción.

Saqué bastantes fotos porque hay documentos impresionantes, como cartas de su puño y letra, fotos, mucho material. Y si me copaba Poe, me enteré de algunas cosas que lo hacen todavía más grande. Algo que me llamó la atención fueron dos cartas de las tantas que había expuestas...y la particularidad es que ambas fueron escritas el 16 de noviembre...un detalle curioso para alguien como yo que nació ese mismo día.

De ahí me tomé el tren para ir al Isabella Museum, un museo que tiene la particularidad de que si te llamás Isabel o Isabella entrás gratis. Es un museo muy reconocido en Boston por la colección privada de pintores europeos que tiene... Tenía bien la dirección pero al bajar de la estación se ve que agarré por el lugar más complicado. Había un colegio en la cuadra y me detengo a preguntar. Me atiende algo así como una celadora que no tenía idea ni de Isabella, ni del Museo, ni de nada...así que le pregunto a una alumna que al toque me indica cómo debo hacer para llegar. Llego...pero estaba cerrado. Claro...los lunes no abre...me lo tomo con soda... o mejor dicho con agua que caia a baldazos y me mando para el hotel. Cuando llego al hotel se me ocurre una idea genial. Esto hay que revertirlo con algo sublime... Así que encaro al lobby y les pido me consigan un ticket para ir a ver a los Celtics...que cuando juegan y todo eso...y resulta que hoy lunes había partido...Celtics vs Detroit Pistons...así que dale conseguime el ticket...pero cuánto piensa gastar? Y no sé...vos tratá de conseguir y vemos... Así que la mina muy amable se puso a llamar por teléfono y al rato me avisa que sí, que consiguió para hoy en una muy buena ubicación...fila 5... a un costado...genial...todo listo para la noche.

Hay que festejarlo me digo con un buen almuerzo...así que me mando al Copla, un restaurante italiano que está conectado al hotel y donde van a comer muchos famosos...que se yo... así que ahí voy ...me mando con una ensalada caesar, un pollo marinado con salsa y unos fideos todo regado con una copa de vino tinto de...Francis Ford Coppola (the director's cut!!!). Muy rico vino el de Coppola. Para cerrar otro espresso doppio esta vez con un Cheese Cake. Como se imaginarán quedo de recontracama...no era tanto pero se ve que ya no puedo comer tres platos...y eso que tampoco era tan pero tan abundante...pero se ve que el estómago, el hígado, el cólon...que se yo que...ya pone reparos.

El Copla, al lado del Hotel. Agradable, con muchos autógrafos de famosos

Bueno, subo a la habitación, me veo un par de partidos de tenis (el de Mónaco que ganó, el de Djokovic que también ganó) y me voy a la pileta y al jacuzzi. A los 30 minutos me vuelvo. Me aburría en el jacuzzi. Se ve que para este tipo de cosas, hoteles de lujo and so on, no sirvo. Un buen masaje sí hubiera estado genial...pero la tarifa es prohibitiva.

Llega la hora de ir al Garden, que es el Estadio de los Celtics. Buenisimo todo...la pasé genial. El partido fue una masacre de los Celtics, así que no tuvo tanta emoción...pero todo el espectáculo en sí estuvo muy bueno. Ver a Rondo (un fenómeno), Garnett, Davis (está bastante gordito pero es increíble la agilidad que tiene), Pierce... fantástico.

En la NBA hay garantía de presenciar siempre un gran espectáculo

No soy hincha de ningún club. En algún momento seguí a los Bulls, cuando llegó Ginóbili a la NBA a San Antonio, también a los Rockets de Scola, pero en realidad me gusta mucho el juego y ver un buen partido. Celtics tiene mucha historia y se nota. La gente misma es un espectáculo y resulta muy fácil entusiasmarse. La ubicación era tan buena y seguía el partido de tan cerca que cada dólar gastado estuvo más que justificado. Una vez más con lluvia, hoy ha sido otro gran día.

Boston Calling - Día 2

2010-03-15T20:07:00.000-07:00

Sigue lloviendo. Me despiertan a las 9 hs como pido...pero resulta que para mí eran las 8 hs...me afanaron una hora por el tema del consumo de energía. Todo bien con ahorrar energía pero no podían esperar hasta la otra semana?

Bajo a desayunar y ahí me entero que el breakfast no está incluído, sale de 15 a 20 dólares según lo que pidas. Claro, no es La Lucila donde cariñosamente te van a comprar hasta el queso crema "sin cargo"...acá el grone te mira y te dice "is not included"...la puta madre, not included...y que carajo es lo que está included? En Estados Unidos nada viejo, nada está included. Acá se paga hasta el aire que respirás. Un aire free smoking porque los hijos de puta no te dejan fumar en ningún lado. Y eso que yo no tengo el vicio, pero que si lo tuviera bien jodido estaría. Pero bueno, el desayuno is not included. No entiendo: es un hotel de lujo y te cobran el desayuno...loco, como es? Enfin...

Salgo del hotel y me voy a Starbucks...los que me conocen saben que no me gusta Starbucks. En Argentina Starbucks es una mierda comparado con cualquier bar como la gente, donde el café se toma en pocillo, no en un vaso de plástico con pajita (perdón, ahora le dicen sorbete). Ahora en USA Starbucks es una opción más que rescatable. Ahí existe la posibilidad de pedir el espresso doppio (que de doble tiene el precio nada más) y no el balde de café intomable que te dan en casi todos lados. Como hacen estos tipos para tomar ese café de mierda y vivir más de 70 años es un misterio. O será por eso? No sé, es para pensarlo.

Bueno, llueve y no amaga parar ni de casualidad. Así que lo mejor es ir a un Museo. Elijo el Museum of Fine Arts y me tomo el Subte. Ahí uno se da cuenta lo subsidiado que está el transporte en Argentina. La tarifa de Subte acá sale 2 dólares...o sea 8 mangos... digan que aquí no queda otra que pensar en dólares porque sino no haces un carajo...así que saco una tarjeta como las que se sacan allá pero que acá es más cool (se llama Charlie) y te la vende una máquina que no está afiliada a ningún gremio. La compro con tarjeta de crédito...me mando al subte.

La estación de subte/tren del Museo de Fine Arts. El subte: un lujo

Un par de estaciones y el subte se convierte en tren, lo que hace que de simple medio de transporte la cosa se haga más agradable con lluvia y todo. Antes de llegar el subte tiene un problema y la conductora se comunica con la central. Pasaron dos minutos, no más que eso y aparece un coche del que se baja un tipo, hace no sé que cosa y el subte sigue camino. Acá hubiera sido distinto.

El Museo es realmente espectacular y las chicas que te atienden son todas muy amables. Tiene una colección enorme de arte egipcio, incluso una exposición acerca de una expedición patrocinada por el museo 100 años atrás y en la que se robaron (perdón, trajeron con el "permiso" del gobierno incorruptible de Egipto) hasta la arena del lugar. Muy bien armado todo, muy buenas explicaciones en un audio que te alquilan (ah, si, te lo alquilan...y es "not included" como el desayuno) y te van haciendo comentarios de distintas cosas que hay en la muestra.

Foto gentileza de turistas chinos. Los barquitos son embarcaciones que se ponían en la tumba del Faraón o los Gobernadores para acompañarlo al otro lado. Había guerreros, cortesanos, cocineros y ... minas.

El Faraón Micerino y su Reina. Una de las esculturas emblemáticas del Museo

El Museo tiene también muchísimas colecciones de pintores europeos, desde el renacimiento hasta la actualidad. También hay pintores americanos, pero a esos los dejé para el final y no llegué. También hay esculturas de la antigua Grecia, Roma, China, arte japonés...enfin...lo disfruté mucho. Pero da para dos días el museo... terminás muerto.

Una de las amplias salas del Museo. Posee la colección de Monet más importante fuera de Francia

En el medio de todo esto paré para comer algo en uno de los restaurantes...una ensalada verde con cangrejo y langostinos y una copa de vino de california. Muy buena atención, el vino excelente. Todo 27 dólares.

Sobre el fondo se adivina el restaurant. Excelente servicio y una buena opción por módico precio

Paso por la librería del Museo y me compro dos Taschen que acá están bastante baratos: uno sobre Audrey Hepburn y el otro sobre Roy Lichtenstein. A la salida del Museo pasé por un par de librerías más pero no compré nada. Para la noche todavía no decidí que voy a hacer, pero supongo que cenaré algo liviano. Esperemos que mañana no siga lloviendo.

Boston Calling - Día 1

2010-03-14T20:50:00.000-07:00

Por un viaje laboral, estoy pasando mi primer noche en Boston. El viaje fue una odisea. Como decía mi hija, efectivamente el asiento "F" está en el medio de las filas de 5, casi al lado del pasillo... pero ese casi durante el viaje previo a New York fue muy pero muy importante. A mi izquierda me tocó una pareja de viejos americanos, muy tranquilos y que no jodieron durante todo el trayecto (eran los que estaban más al medio). A la derecha me tocó un PELOTUDO bien argento que no paraba de moverse. Además de traer un montón de gadgets ridículos, antes de la cena se durmió y empezó a cabecear. Creo que durmió todo el viaje, un problema a la hora de tener que pedirle que se levante para dejarme pasar al baño (lo que hizo con raros movimientos acrobáticos sobre el asiento). Enfin...

Llegamos a las 6 de la mañana al JFK de New York, bien en horario. Larga cola para hacer el trámite de migraciones (aunque yo pasé bastante rápido) y luego la revisación antes de entrar a los USA (ya que el trasbordo a Boston es un viaje de cabotaje). Bueno, ahí les recomiendo ver la peli "Up in the Air" con George Clonney donde muestran exactamente como son los controles ahora: canastitas para poner tus bolsos de mano, sacar la laptop de la valijita, sacarte los zapatos, la gorra, la campera...revisación como cuando entrás a la cancha de fútbol (pero en serio)...enfin...pasamos rápido a pesar del pasaporte sudaca y a eso de las 7.20 estabamos listos para hacer el boarding a Boston. Error...resultaría un poco más complicado...

A las 8.10 salía el avión pero un fulano de American sale al gate y anuncia que el vuelo está sobrevendido. Necesitan 7 voluntarios para que vayan en otro vuelo y a los que les ofrecián 150 dólares, pasaje confirmado en otro vuelo y como este salía del aeropuerto de la Guardia (a unos 20 minutos del JFK) ... transporte gratis hasta ahí. Ningún voluntario. Había un grupo de argentinos que viajaban juntos y que quisieron averiguar ... nada. Al rato 200 dólares...ya pasado el horario del vuelo, 250 dólares. Pero...nadie se ofreció al final. Afuera había lluvia y frío así que no había como muchas ganas de demorarse tres horas...250 dólares no valen tanto. 9.30 hs. el vuelo con una demora de más de 1 hora empieza a embarcar.

Pero...pasa que mi asiento no estaba asignado...cuando me dieron el ticket en Buenos Aires ya estaba sobrevendido el vuelo...en consecuencia era uno de los grandes candidatos para quedarme afuera. Bueno, me quedé afuera junto con 6 japoneses. A todos nos dieron el voucher de 250 dólares y nos mandaron a la Guardia en un Remise. Los ponjas iban por United Airlines, yo iba por Delta Airlines y las valijas iban por American. Para complicarla un poco más, el driver que me llevó a la terminal se confundió y me dejó en la terminal de Delta equivocada...así que de ahí me tuve que tomar un bus (gratuito, acá los trasbordos en el aeropuerto son todos gratis) que me dejó en la terminal correcta. Vuelo rápido...a las 12 hs estaba en Boston.

Me tomo un taxi hasta el hotel...me pongo a hablar con el taxista...bastante macanudo, hablamos de fútbol, de basket... Llego al Hotel...bueno, el Hotel es realmente espectacular. Hoy se cambia la hora. Se adelanta 1 hora más para aprovechar la energía. El hotel es green, eso quiere decir que cuidan la ecología (o sea podés volver a usar las toallas y en lugar de roñoso te consideran algo así como un tipo conectado con el medio ambiente). Pero al ser green también es smoke free...y bien botones...porque si fumás en tu habitación, se prende un sensor y te ponen una multa de 200 dólares. Se podría pensar que estos gringos son unos cínicos que se hacen los ecológicos mientras siguen tirando dióxido de carbono a la atmósfera...enfin. Será así, pero esto es libre de humo.

Después de dejar los bártulos salgo un poco para comer algo y despejarme. Sigue lloviendo pero no me importa. Al salir del hotel hay una plaza en diágonal. De un lado está Trinity Church y enfrente está la Biblioteca Pública de Boston. Detecto cerca un Burger...detesto esa comida, pero es eso o seguir caminando bajo lluvia torrencial: así que Burger. Retirada al hotel...buen momento para usar la notebook que para algo la traje.

Al fondo Trinity Church, del otro lado de la cámara, yo mojándome

Encontrar el enchufe para poder conectar la notebook y usar internet (en el lobby es gratis pero si lo usás en la habitación te lo cobran 9 dólares por día, o sea lobby) fue otra odisea bajo la lluvia.

La lluvia como que me está rompiendo mucho las pelotas también. O sea, todo bien con la lluvia, no me opongo, es útil y todo eso, la agricultura, las flores, el pastito, todo eso, el romanticismo, mirar la ventana melancólicamente, todo bien con la lluvia, pero cuando tenés que salir a comprar un enchufe de mierda porque acá te miran raro. Cómo que necesitas un enchufe?...ahhh la notebook es australiana? No pelotuda, no es australiana, tiene el enchufe con las dos patitas así torcidas, viste? Ahhh we've a plug that fits in...y ahí la boluda tratando de encajarlo...no, no entra no vés...tus patitas son derechas, estas son torcidas...ah, no idea, no idea...I'm sorry ... la puta que te parió...y bueno, ahí en el medio de la lluvia, que todo bien, todo bien, pero como que me rompe las pelotas con las 15 horas que hacía que había salido de Buenos Aires, buscando el enchufe.

Pero bueh, lo conseguí...luego de caminar como 20 cuadras bajo la lluvia, resulta que lo tenían en negocio que quedaba a 2 cuadras del hotel, pero para el otro lado. Pero todo bien, todo bien, eh... Mañana seguirá lloviendo?

Avatar, lo nuevo de Cameron

2010-03-03T19:01:00.000-08:00

Ví esta película en la costa y ahora la ví en 3D. Esta superproducción que costó 237 millones de dólares y que le encantó a críticos y fanáticos por igual me gustó. Punto. Quiero decir que no me aburrí a pesar de los 163 minutos que dura la película. No es poco. Pero tampoco es suficiente para una película que fue promocionada como un antes y un después en el cine.

Se dijo que esta película revolucionaría el futuro del espectáculo y si esto significa sacar máximo provecho de la tecnología 3D, entonces Avatar es efectivamente una revolución. Visualmente la peli tiene una espectacularidad en la que se aprovechan muy bien los efectos 3D. Y es que Cameron gastó bien el dinero. Los efectos tridimensionales refuerzan lo que se cuenta ahorrándonos los trucos que a esta altura ya no sorprenden a nadie. Hasta ahí lo bueno, pero cuando llega la cuestión del guión de Avatar ...estamos en problemas. Es el clásico esquema chico está con los malos, conoce chica que está con los buenos, se enamoran, el chico cambia de bando y los buenos ganan. No es que este esquema en sí esté mal, pero la peli no sorprende en ningún momento y desde los primeros quince minutos ya adivinamos como termina todo.

Escenas previas al sexo na'vi. Jake Sully en el aparato, tuvo una experiencia de sexo virtual?

Así que queda entretenerse con el fabuloso despliegue visual...pero un antés y un después en el cine...por favor! El cine 3D puede sorprender un poco al comienzo, pero tengo mis reservas. La fotografía pierde en una peli 3D, el interés por la tecnología deja de lado sutilezas en el manejo de un director que debe ceder a los caprichos de la nueva tecnología. Y ni hablar del precio de las entradas.

Para todos los ecologistas que disfrutaron la peli, me parece bárbaro. Hay quien se engancha con todo el tema ecológico, el mensaje antibélico y todo eso...pero disculpen que les diga que los fondos de la peli salieron muy posiblemente de avariciosos ejecutivos como los que condena la película, así que tengo tendencia a ver todo esto como un mensaje políticamente correcto que esconde algo de cinismo.

El Hombre Lobo

2010-02-12T20:02:00.000-08:00

Confieso que con mucha expectativa fui al preestreno de la nueva versión de "El Hombre Lobo". La inigualable primera versión es de la década del ´40, cuando el monstruo alérgico a las balas de plata hizo su aparición en la pantalla de la mano del hijo de Lon Chaney Jr. (el hijo de Lon) con la compañía de un elenco de lujo en pelis de terror clase B, Claude Rains como el padre de la criatura y Bela Lugosi como el gitano. A esta peli que fue un éxito que salvó a los Estudios Universal de serios problemas financieros, siguieron varias secuelas, pasando por una comedia de Abbott & Costello para terminar en el olvido absoluto. Lógicamente Jr. no tenía el talento del padre pero no estaba nada mal, llegando a ser un actor importante en el cine de terror de los 40 para luego ir progresivamente descendiendo al cine clase Z. Se sabe que no tuvo una vida fácil y una pista de esto podemos verlo en la peli "The Man of a Thousand Faces" protagonizada por James Cagney en el papel de Lon Chaney. Pero mejor no desviarse porque esta reseña es sobre la nueva peli y no sobre la vieja.

Lon Chaney Jr. como el Hombre Lobo (1941, George Waggner)

Por algún avance que había visto por ahí, tenía la esperanza que la estética de esta peli buscara recrear a la de aquellos films de la Hammer de los ´70 pero no... La primera versión tenía guión de Curt Siodmak y responde a los cánones del cine clase B. Esta superproducción repleta de efectos especiales (algunos de dudoso gusto) pertenece a Andrew Walker que le da un tono oscuro al relato que no está nada mal pero cuyo relato pierde fuerza por causa del director, Joe Johnston, un tipo que lo mejor que hizo fue Jurassic Park III y que no despierta mucho entusiasmo que digamos. Abusando del recurso del flashback, la labor del director es francamente floja.

Otro punto flojo de la peli es el casting. No puedo decir que Benicio del Toro esté mal en el papel pero tampoco se destaca demasiado. Peor es la elección de Emily Blunt, una buena actriz con la que sin embargo no hay nada de química. Hugo Weaving, el Sr. Smith de Matrix, también está deslucido pero creo que todo se debe principalmente a un mal trabajo en la dirección de actores. Diferente es el caso de Anthony Hopkins que hace un pésimo trabajo. Hace rato que Sir Anthony muestra una tendencia a la sobreactuación y a veces da la impresión que solo le importa cobrar el cheque...

Pero la peli tiene algo bueno...capaz que despierta la curiosidad de los que no vieron la excelente versión original!

Verano en La Lucila del Mar

2010-02-02T22:58:00.000-08:00

Al igual que el año pasado, este verano estuve un par de semanas en la Lucila del Mar. Es un lugar muy agradable, de añejas arboledas, chalets y ausencia de edificios, a un par de km de San Bernardo. Sin el glamour de Mar de las Pampas o Pinamar, tiene lo suyo pero con la ventaja de ser más barato y no tener que soportar las filas interminables para encontrar lugar para cenar o ver algún espectáculo. Y si uno quiere vida nocturna...para eso está San Bernardo.

Algunos llaman a La Lucila del Mar el Jardín del Partido por sus parques y bosques de eucaliptos y pinos. Al entrar en La Lucila ya advertimos que es un lugar especial que nos recibe con un tunel arbolado.

La entrada a la Lucila

Este año no alquilé nada sino que me ospedé en el Hotel La Maison. Un Hotel modesto y sin ningún lujo pero con muy buena atención. Las chicas que preparan el desayuno siempre atentas se preocuparon por modificar el menú para que pudiera cumplir con una dieta bastante estricta (sin café, medialunas, manteca, etc. ... un garrón en el medio de las vacaciones) e incluso para atenderme en la habitación un dia que me pesqué un virus que me tuvo 2 días fuera de combate. Así que, Hotel La Maison...pulgares arriba.

Hotel La Maison: cumple con las 2 "B"

A dos cuadras del hotel, sobre la avenida principal, está el muelle de pesca. Está construído en madera con un largo de una cuadra más o menos y a una altura de 4 a 6 mts. De noche se ilumina y el bar está abierto. Allí les recomiendo las ensaladas y los mariscos...algo obvio en cualquier muelle que se precie de tal.

El muelle...se recomienda el bar

Para los que ya han ido otros años, aparecieron algunas ofertas nuevas ... pero me mantuve fiel a los chicos del Balneario Torreblanca...excelente lugar para almorzar o cenar a la noche frente al mar. El resto as usual, la librería con algún volumen esperando ser descubierto y el barba que exhibe como todos los años sus revistas de crucigramas, la heladería Las Brujas o los chicos del Bar Dorak que me atendieron de primera, al atardecer y sobre todo por las noches.

El bar Dorak

Y el cine...porque la Lucila del Mar tiene un cine que se destaca por sus carteles de estreno rodeados por las luces de neón. Atendido por su dueña y con un barcito a la entrada, me ví durante el verano unas cuantas películas en sus simpáticas butacas.

El cine La Lucila (la rubia no viene incluída en el programa)

Ahí vi Avatar, Up in the Air, An Education, Sherlock Holmes, entre otras que no merecen mencionarse (je). La Lucila...muy buena opción para el verano!

Top 5 Films del 2009

2010-01-04T19:19:00.000-08:00

Llegado el fin de año uno hace balances de todo tipo y en lo que hace a la actividad cinematográfica se puede hacer lo mismo. Uno puede hacer su propio ránking de los films que más premios ganaron, los que tuvieron más éxito de taquilla o los que más nos gustaron. Esa será precisamente la propuesta, las 5 películas que más me gustaron en el año, ya sea porque me dejaron algo, porque me divertí mucho o por una extraña combinación de cosas que le hace a uno decir...valió la pena venir al cine! (a pesar de sus exorbitantes precios).

Después de pensarlo bastante y aclararando que este año fue bastante mediocre en oferta cinematográfica, mi lista es:

Nro. 5

EL LUCHADOR (The Wrestler)

Director: Darren Aronofsky

Género: Drama

Guión: Robert D. Siegel

Reparto: Mickey Rourke, Marisa Tomei, Evan Rachel Wood

Duración: 105 min.

La película que marcó el retorno de Mickey Rourke. Un tipo que fue grande, debutando en "Body Heat" de Kasdan, participando de "La ley de la calle" de Coppola y de ese gran éxito que fue 9 semanas y media. Y poco a poco el derrumbe de una carrera hasta hundirse en el olvido. Algo así le pasa al luchador que protagoniza. Un luchador que fue una gloria, una suerte de Karadagían pero del norte. Un luchador que alcanzó la gloria pero que poco a poco va quedando en el olvido, peleando en combates de cuarta categoría y trabajando en un supermercado para ganarse el pan. Una peli de Darren Aronofsky, del que destaco la película "Pi" pero tal vez sea más conocido por "Requiem para un sueño" (que a mí mucho que digamos no me gustó). Logra una gran peli más allá de la muy buena actuación de Rourke, secundado por otro personaje "loser" a cargo de Marisa Tomei (que cada día está más linda). Otro punto alto de la peli es su música, en particular el tema "The Wrestler" de Bruce Springsteen que logra conmover hasta a una piedra.

Nro. 4

BASTARDOS SIN GLORIA (Inglorious Basterds)

Director: Quentin Tarantino

Género: Habría que inventar uno nuevo.

Duración 153 minutos

Intérpretes: Brad Pitt, Christoph Waltz, Mélanie Laurent, Diane Kruger, Eli Roth, Michael Fassbender, Daniel Brühl, Til Schweiger, Mike Myers.

Si Kill Bill era la historia de una venganza, Malditos Bastardos es la historia de ... ops...también, una venganza! Pero el tratamiento es muy diferente y si Kill Bill tenía violencia...amigos...está no los va a desilusionar en absoluto. La peli está ambientada en la Segunda Guerra Mundial. Durante la ocupación alemana de Francia, Shosanna (Mélanie Laurent) presencia la ejecución de su familia a manos de un militar nazi (Christoph Waltz). Shosanna consigue escapar y huye a París. En otro lugar de Europa, un teniente a cargo de Brad Pitt organiza un grupo de soldados judíos (los bastardos del título) para asesinar nazis a diestra y siniestra, generando terror. Las cosas hacen que se unan los deseos de venganza de unos y otros, en un tratamiento muy audaz de Tarantino que logra climas de comedia con los nazis, que no es nada fácil. No importa como fue la historia real. En esta historia lo que importa son las múltipleas aristas de lo que se cuenta. Los climas de suspense a lo Hitchcock (con guiños a Sabotage) y otras referencias cinéfilas a Ford y hasta auto referenciales. Está muy bien Brad Pitt en esta peli pero alguien lo supera. El enorme Christoph Waltz, serio candidato a ganarse la estatuilla por esta peli.

Nro. 3

35 RHUMS

Director: Claire Denis

Género: Drama

Guión: Claire Denis, Jean-Pol Fargeau.

Duración: 100 minutos

Intépretes: Grégoire Colin, Alex Descas, Mati Diop, Nicole Dogue, Eriq Ebouaney, Jean-Christophe Folly.

La mejor peli que vi en el último festival BAFICI del 2009. Confieso que no había visto ninguna peli de esta directora pero me había llamado mucho la atención lo que leí de ella en el libro "Lecciones de Cine", una serie de reportaje a directores realizado por Laurent Tirard. Y con eso en mente la fui a ver en su momento. Bueno, resulta que es de lo mejor que vi en el año. Se trata de una película "pequeña", en el sentido de un film intimista en el que se luce todo su elenco. Un film complejo que cautiva desde el comienzo porque toca todos los temas de nuestra existencia pero de una forma fresca, simple sin perder por ello profundidad. La peli cuenta la historia de un conductor de subterráneo, un viudo de mediana edad que vive con su hija. La rutina, los silencios mutuos, la atracción sentimental entre su hija y un vecino, la jubilación que se acerca cada día, todos son elementos que confluyen en la historia, una historia familiar. Una película que necesita de pocas palabras; las imágenes lo dicen todo.

Nro. 2

Directores: Pete Docter, Bob Peterson

Género: animación

Duración: 100 minutos

Intérpretes (V.O.): Ed Asner, Christopher Plummer, Jordan Nagai

Qué más se puede decir de Pixar? Que son brillantes? Que sus películas nunca decepcionan? Que resultan asombrosos los avances técnicos que año tras año nos deslumbran en materia de animación? Lo que puedo decir es que me quedé corto con los carilina. Y es que desde el mismo comienzo, me reí y lloré como un descocido...pero sin golpes bajos:la película no los tiene. El guión es impecable. Humor disparatado, ternura, aventura, acción constante y apelo a la nostalgia, todo el combo en un solo film. Hay que tener mucho talento para lograrlo en las dosis justas, pero es Pixar y estos muchachos se superan cada año a sí mismos.

Nro. 1

GRAN TORINO

Director: Clint Eastwood

Género: drama

Duración: 116 minutos

Intérpretes: Clint Eastwood, Cory Hardrict, John Carroll Lynch, Geraldine Hughes.

Cabe alguna duda de que esta es la mejor peli del 2009? Una vez más el viejo Clint lo hizo de nuevo! Gran Torino es una reflexión sobre la vejez, la muerte, las relaciones padre - hijo, la xenofobia, la religión, el pasado, la violencia…, todo esto y mucho más está presente en esta pequeña obra que tal vez sea de las más personales de Eastwood. Es la mirada del viejo Clint sobre nuestra realidad actual, una mirada que está más atenta a la esencia de las cosas, lo que la hace una mirada profunda. En esta peli se funden viejos personajes de Eastwood como los protagonistas de las pelis de Leone, Los Imperdonalbles, Harry el Sucio y hasta el viejo entrenador de Million Dollar Baby. Pero este viejo sentado en su porche, tomando en cerveza y gruñendo a todo lo que le rodea es la sintesis de todos aquellos personajes. Y en la composición de este viejo, está lo más sublime de la película. "Es" la película. Por si fuera poco no sólo compone el tema de la película sino que además lo interpreta. Hace falta decir algo más?

Para cerrar la nota, hubo otras pelis que también merecen atención como "Vicky, Cristina, Barcelona", "Star Trek", "El primer año del resto de nuestras vidas", "The Reader" y muchas otras... pero eso es lo injusto de cualquier ránking...

Saudade de Marilú

2009-12-31T21:30:00.000-08:00

Es muy dificil poner en palabras lo que sale del sentimiento, lo que sale de adentro. Para eso hace falta talento, un talento que yo no poseo y también hace falta tener ganas de decir algo, que se yo, un desahogo, algo así. De eso sí tengo. Verán, hace un tiempo atrás una amiga muy querida que viviá en Santa Fe, venía muy golpeada por la pérdida de su casa. Una casa que le dejó su abuela y que por esas cosas de escrituras, de abogados, de palabras que no se respetan y que se yo cuantas cosas más, terminó perdiendo. Eso sí, todo quedó en familia: el padre ausente la dejó sola, los primos que no querían perjudicarla, le mandaron la intimación de desalojo. A todo esto que ya alcanza para desequilibrar a cualquiera, se sumó en los últimos meses un problema hepático que terminó siendo un tumor. Conclusión? Mi amiga dejó este planeta el día antes de Navidad. No era religiosa, pero le encantaban las Navidades. Es imposible no recordar las conversaciones, las veces que se quedó en casa estos últimos meses mientras se hacía los chequeos médicos, luchaba por un transplante que nunca pudo concretarse, enfin... todo se sucedió con la velocidad del rayo. Implacable, impiadoso: a la mierda se fue el optimismo con el que se planteaba cada nuevo análisis, la esperanza de que al final todo fuera un garrón provocado por un mal diagnóstico. En un año nos podemos ir a la mismísima mierda y si uno eso no lo tiene en la cabeza, pasan estas calamidades para recordarlo.

Recuerdos de amistades que ante la desgracia brillan por su ausencia, padres insensibles que piensan más en cómo materializar económicamente la muerte a través de un seguro que en brindar asistencia en vida a su propia hija. Miserables infames que se creen eternos. A no desesperar, el cementerio está lleno de gente que se creía eterna.

Pero hay otros recuerdos más reconfortantes. El de veladas en casa escuchando la música de Toquinho, de Caetano, de Vinicius que a ella le gustaba tanto. Pienso en Vinicus y en los temas cantados con mucha "saudade". Una palabra que no tiene que yo sepa una traducción certera pero que viene a ser algo así como la emoción que no podemos expresar con palabras. Algo que está ahí, una melancolía, una nostalgia, algo parecido al sentimiento que provoca la ausencia.

Spinetta y las Bandas Eternas

2009-12-17T22:28:00.000-08:00

A eso de las 22 horas y en una noche demasiado fría para ser 4 de diciembre, Luis Alberto Spinetta salió a escena. Primero agradeció a muchos de los músicos que tocaron con él durante sus más de 40 años de trayectoria y que no pudieron dar el presente en este concierto (Pedro Aznar, Frank Ojtersek, entre otros) y disculpándose ante los músicos que le gustan y que no serían versionados esa noche (Moris, Indio Solari, Andrés Calamaro y Hugo Fatorrusso, "el más grande talento que dio el Río de la Plata", palabras del Flaco). Luego con su banda actual tocaron "Mi elemento", el inicio de un recital histórico y del que dentro de un tiempo vamos a escuchar "yo estuve ahí".

Hubo dos segmentos bien marcados en el show, y cada uno de ellos contó con 25 canciones. En el primero, Spinetta repasó temas de Jade y de su trayectoria solista con multitud de invitados, se permitió hacer covers de canciones preciosas. Solo con su guitarra, tocó "Mariposas de madera" de Miguel Abuelo, bromeando sobre la inspiración inconsciente que flota al recordar "Muchacha, ojos de papel". Siguió con "El rey lloró", temazo de Litto Nebbia, "Adonde está la libertad" de Pappo (acompañado por Juanse en voz). Las intervenciones de históricos tecladistas de Jade como Juan del Barrio, Diego Rappoport y Leo Sujatovich dieron un clima de intimidad que solo él, el Flaco, puede lograr en un Estadio. Así pasaron "Ella también", "Umbral", "Era de uranio" y "Vida siempre". Luego llego uno de los grandes momentos de la noche...que fueron muchos. Fito Páez y su piano acompañaron al Flaco en "Asilo en tu Corazón" y "Las cosas tienen movimiento" cerrando Fito con un "Luis Alberto siempre estarás en mí" mezcla de cariño y homenaje que todos compartimos. Y ahí nomás y sin respiro otro gran momento: Gustavo Cerati cumplió "el sueño del pibe" (sic) al cantar "Té para tres" y "Bajan" en una performance impresionante del tal vez más importante disco que se hizo aquí y que fue "Artaud". Tras una toma hip hop de "Necesito un amor" de Manal con Dante y Leeva, el Flaco versionó para la sorpresa de todos "Filosofía barata y zapatos de goma", preludio de la aparición de Charly que, desde mi quinta fila ya adivinaba cerca del escenario. Al igual que en el recital acuático que dió Charly en el mismo estadio, los dos repitieron "Rezo por Vos". Final de la primera mitad.

Con Charly luego de "Rezo por Vos"

Si lo que había pasado parecía díficil de superar...bueno...la segunda parte fue algo i-nol-vi-da-ble. Arrancó con el recuerdo al desaparecido Daniel Wirtz, y una formación de los Socios del Desierto ("Los socios de este concierto" según las palabras del Flaco) con Marcelo Torres y el talentosísimo Javier Malosetti en batería. Y luego el climax de la noche...se vino lo que, para los que tienen 45 como yo o menos, nunca pensamos que veríamos en vivo alguna vez...se vino señores Invisible. Spinetta, Machi y Pomo, tocando como si el tiempo se hubiese detenido y hubieran terminado de tocar ayer. Y ahí vinieron "Lo que nos ocupa es esta abuela, la conciencia que regula el mundo", "Jugo de lúcuma", "Perdonado (Niñque o condenado)". El final fue con Lito Epumer haciendo las veces de Tommy Gubitsch (quizás, el gran ausente de la jornada) y el "Amor de primavera" de Tanguito.

Invisible

Lágrimas, gente gritando "no te mueras nunca, Flaco", emoción pura y a flor de piel. Y ahí aparecieron...la reunión después de décadas...salió a escena Pescado Rabioso. Con David en guitarra y Guillermo Vadalá en bajo. Y otra vez, lo que nunca pensamos que escucharíamos en vivo, lo escuchamos. Y así se sucedieron "Poseído del alba", "Hola dulce viento", el impresionante "Serpiente (viaja por la sal)", "Me gusta ese tajo" con Bocón Frascino como invitado en viola, y el the end de Pescado con "Post crucifixión".

Pescado Rabioso... es verdad aunque usted no lo crea...

Podíamos esperar algo más? Ya iban como 4 horas de recital!!! Y sí...claro...todos esperábamos a Almendra. Del Guercio, Molinari, García y Spinetta, los cuatro chicos de Belgrano. Y ahí vinieron el solo de Edelmiro en "Color humano", la voz de Emilio en "Fermín" otro temazo descomunal, el ataque de la batería de Rodolfo en "Hermano perro" o el arreglo vocal de "Muchacha ojos de papel", un tema que el Flaco dijo que no sabía si volvería a tocar alguna vez más en vivo y que dedicó a su mamá, presente en el recital. Más lágrimas, más agradecimiento, toda la emoción.

Almendra

Ricardo Mollo sumó su guitarra para "8 de octubre" (a beneficio de los chicos muertos en la tragedia de Santa Fe, una causa que el Flaco no abandona) y tres hitazos cerraron la fiesta: "Seguir viviendo sin tu amor", "Yo quiero ver un tren" y "No te alejes tanto de mí". Un recital que ninguno de los que estuvo ahí va a olvidar. Y los que conocen al Flaco saben que hay temas que sólo volverán a escuchar poniendo un disco, sobre todo para alguien que nos dice "mañana es mejor".

AC/DC en River

2009-12-05T16:26:00.000-08:00

Para todos los amantes del verdadero rock, los últimos meses fueron un desafío para los bolsillos. Y el esfuerzo fue mayor en diciembre que, en materia de recitales, tuvo lo suyo. Así que esfuerzo de producción mediante, pagamos el nada barato precio de las entradas que sólo se justificaban para asistir al recital que en River iba a dar el 2 de este mes nada más ni nada menos que una de las bandas más importantes del planeta. Se trata de AC/DC, la banda creada por los hermanos Young, con Angus a la cabeza y su ya inconfundible look escolar. Su segunda llegada a las pampas luego de 13 años fue con motivo de la "Black Ice Tour" que arrancó hace ya más de un año para presentar su último disco. Fuimos con mi hija Pri y la pasamos bomba. La gira está considerada - con razón - uno de los mejores espectáculos de rock de los últimos años.

Luego de 35 años de historia, la banda de hard rock formada en Australia, presentó junto a sus fundadores escoceses a la voz del también británico Brian Johnson, el cantante que reemplazó al mítico Bon Scout que falleció en 1980, a Phil Rudd y Cliff Williams. El estadio estaba totalmente repleto con 66.000 fans que deliraban de placer y que de ninguna manera fueron (fuimos) defraudados por la banda. AC/DC montó un escenario enorme, con dos columnas llamativas que terminaban en los clásicos cuernos diabólicos, con pantallas de excelente calidad en el fondo y a los costados así como la esperada locomotora que formaba parte del decorado que, en el medio, desembocaba en un largo pasillo que llegaba casi hasta la mitad de la cancha y que fue testigo de las proezas de Brian y particularmente de Angus. "No hablamos español pero hablamos rock & roll" fueron las palabras de Brian a poco de iniciado el recital...y cómo lo hablan!

El listado de temas incluyó lógicamente títulos del disco que da nombre a la gira, como "Rock and Roll Train", "Big Jack", "Black Ice" y "War Machine" acompañados el primero y el último con unos videos espectaculares. Pero lo que todos vinimos a escuchar (especialmente los que tenemos más de 35 shhh) eran los temas clásicos que llenaron de energía al estadio saltando y cantando con multitud de fanáticos exhibiendo los cuernitos que formaban parte del marketing del espectáculo (ya editaré el artículo e incluiré la foto de Pri). Recuerdo que hace un tiempo ya le hice escuchar a Pri el extraordinario "Highway to Hell" cantado por Scout. Bueno, este tema estuvo incluído para el delirio de todos y lo mismo pasó con "Back in Black", "Dirty Deeds Done Dirt Cheap", "Shot Down in Flames", "The Jack", "Hell Bells" mostrando a Brian colgándose de una gigantesca campana que apareció en el escenario, "Dog Eat Dog", "You Shook me all Night Long", "TNT" entre otras. "Let There Be Rock" marcó el show personal con solo incluído de Angus en el medio del estadio. Mientras iba subiendo Angus disparaba sus clásicos punteos y sonidos increíbles que sólo él puede sacar de la Gibson SG.

Angus nos hizo vibrar a todos

En definitiva una banda inoxidable aunque este término esté ya demasiado usado pero es el que le cabe. No sabemos si Brian seguirá (hay rumores que indican su próximo retiro) en cuyo caso vamos a extrañar su voz...esa que resuena con el último tema del show "For Those About to Rock, We Salute You" con cañonazos en pleno sonando en la cancha de River y con un final repleto de fuegos artificiales. Un show de puta madre.

Vinicius

2009-11-16T12:57:00.000-08:00

Hace unos días cayó en mis manos el documental "Vinicius", un recorrido a la vida, amigos, amores, poemas y canciones de Vinicius de Moraes. El film está dirigido por uno de sus tantos yernos, Miguel Faria Jr. y producido por una de sus hijas, Susana Moraes. Es un film que dura dos horas que nos dejan con ganas de ver más. El director explica que, al pensar una película sobre el poeta popular más grande de Brasil, descartaron hacer una ficción ya que era muy dificil encontrar alguien que pudiera interpretar a alguien como Vinicius. Es posible, pero en todo caso el documental tiene varios hallazgos que permiten disfrutarlo desde el principio. Hay dosis justas de material de archivo en el que vemos a Vinicius algo pasado de whisky hablando de su primer mujer, cantando con sus amigos, riendo mientras una agradable narración en off toca aspectos menos conocidos sobre su personalidad. Así aparecen sus 9 casamientos, una búsqueda frenética de la felicidad que parece haberle sido esquiva. De esto sabía un rato largo el compositor de "A Felicidade" y basta escuchar el tema para entenderlo. Sin embargo la imagen proyectada por Vinicius es la de una persona alegre, festiva que como bien cuenta el relato fue uno de los primeros en abrir su casa a músicos, cantantes y curiosos en la década del sesenta.

Aparecen desde luego sus orígenes, su beca en inglaterra, sus estudios en un ámbito conservador, su carrera diplomática que no abandonó hasta que la dictadura que tomó Brasil en el 69 lo "invitó" a retirarse (algo que sus hijas recuerdan como un mal trago), sus primeros shows de saco y corbata (una etiqueta que le exigian por su investidura diplomática justamente) y anécdotas de algunos destinos diplomáticos glamorosos que le permitió codearse con algunas estrellas de Hollywood, escritores y artistas en la década del cincuenta.

Vinicius de saco y corbata con Welles, durante la filmación de "La Dama de Shangai"

Viendo el documental uno tiene la imagen de un joven viejo que a medida que van pasando los años se hace cada vez más joven. Un hombre erudito que buceó en las raíces más profundas de su país y que gustaba de considerarse el blanco más negro de Brasil. El film cuenta como transformó la música brasilera, la aparición del premiadísimo film Orfeo Negro (algo que hace muy poco supimos inspiró al mismo Obama) y el talento de uno de los creadores de la Bossa Nova que más tarde incorporaría otros ritmos y texturas con las afro-sambas.

Junto a Toquinho. La grabación del recital dado en Mar del Plata en los setenta junto a Maria Creuza es fabuloso y los relatos de Vinicius, imperdibles.

Intervienen en el film muchos de sus amigos que lo recuerdan con afecto y cuentan anécdotas muy graciosas. Aparecen su gran amigo Toquinho, Caetano Veloso, su hermana Maria Bethania, Gilberto Gil y Chico Buarque entre muchos otros. Pero así como se muestran los aspectos más luminosos y su pasión por la vida, el film también muestra algunos aspectos más oscuros como las angustias, las inseguridades e imperfecciones del creador de la "garota de ipanema". Maria Bethania cuenta que lo veia triste y melancólico, sentado solo y pensativo. Para alegrarlo decide presentárselo a una de sus amigas y ahí nomás a Vinicius se le iluminan los ojos y termina casándose con la chica en cuestión unos días más tarde.

El film tiene también la participación de Camila Morgado y Ricardo Blat que recrean algunos de sus poemas, algo que busca generar momentos más intimistas pero que es el aspecto menos logrado de esta realización que de todas formas es una joyita para disfrutar con un buen whisky en la mano.

Mr. America - Andy Warhol en el Malba

2009-11-06T12:17:00.000-08:00

Hace unos días estuve en la muestra que sobre obras de Andy Warhol exhibe el MALBA hasta el 22 de febrero de 2010. La exhibición a cargo del curador canadiense Philip Larrat-Smith es un conjunto de fotografías, serigrafías, grabados, pinturas y películas realizadas por Warhol entre los años sesenta y ochenta. Las obras que originalmente se exhiben en The Andy Warhol Museum de Pittsburgh, forman parte de una muestra itinerante que luego se verá en Sao Paulo.

No me digas que hay que hacer toda esta cola!

Hay muchísima gente, asi que hay que armarse de paciencia para sacar las entradas. Llegados al primer piso donde empieza la muestra, nos encontramos con una serie de tres fotografías de Andy Warhol junto a su amiga, la artista pop argentina Marta Minujin. La obra se titula "El pago de la deuda argentina con maíz. El Oro Latinoamericano" de 1985.

Se podrá pagar con pochoclo?

Una vez dentro del primer salón, hay una serie de fotografías (Warhol en diversas poses Drag Queen style) y más adelante y en un lugar especial uno de los tantos autorretratos grandes de Warhol con un fondo rosa fuerte. Llama la atención un comentario del curador atribuído a Warhol que dice: "Cuando hice mi autorretrato, dejé a un lado todos los granos porque así debe hacerse. Los granos son una condición temporal y nada tienen que ver con tu verdadero aspecto. Omite siempre las taras: no forman parte del buen retrato que tú deseas."

Un adelantado a los tiempos del Photoshop

Muchas fotos de artistas, famosos, delincuentes, marginales dan testimonio de sus contradicciones: un artista vanguardista pero con una revista (Interview) farandulera, alguien que buscaba la igualdad pero tenía su costado elitista, alguien que integra todo y expande los límites del arte pero que también es un marginal. Cuando le preguntan a Warhol si cree en el sueño americano, contesta tajante: "No, pero creo que podemos ganar dinero con él". No llama la atención semejante reflexión en alguien para el que "es más americano comprar que pensar". sus obras está su particular mirada sobre America, centrando sus preocupaciones sobre el sexo, la fama, la muerte y el poder. La tragedia sobrevuela sus obras y así tenemos las serigrafías sobre criminales, el asesinato de Kennedy, las series sobre sillas eléctricas, suicidas cayendo de edificios, accidentes automovilísticos o figuras públicas con un final trágico como las célebres Marilyn. Recorriendo la muestra es evidente que el artista tenía una verdadera obsesión por las pinturas o fotografías en serie. Por explorar y documentar el voyeurismo, tanto con desconocidos como con personajes famosos y grandes artistas. En un gran salón vemos la proyección de una de sus películas realizadas en 16mm y unas pantallas que nos muestran tests de pantalla de 4 minutos con distintas personalidades. Entre ellas se encuentra por ejemplo Salvador Dalí.

Dalí se hace el hipnotizador al principio pero después afloja...Hay que estar frente a la cámara!

Las ideas de transformación, de producción en serie para el consumo masivo forman parte de la identidad artística de Warhol. Un claro ejemplo que está en la muestra es su serie de ilustraciones sobre las sopas campbell.

Qué opinaría Mafalda de estos cuadros?

No escaparon a su mirada la política y el poder, reflejados en distintas series sobre Mao, el mismo Kennedy o retratos sobre Lenin con su particular estilo.

Mao se asoma por sobre el hombro de Lenin

Warhol es uno de los artistas más influyentes del Siglo XX. El mismo Warhol señala que en la superficie de sus obras está él mismo, que no hay nada más detrás. En esa larguísima sucesión de obras, Warhol mantiene una relación casi patológica con America, presentando una mirada a la cultura americana llena de matices y contradicciones que es un buen espejo de su tiempo.

No hay que perderse la oportunidad de ir (o de volver) mientras se hace un alto en el Café des Arts del Museo, un lugar donde se come muy rico.

Regreso de Charly en un Concierto Acuático

2009-11-02T20:36:00.000-08:00

"Este es el primer concierto acuático" dijo Charly y no exageró nada: 40.000 personas le hicimos el aguante en el día histórico de su retorno con gloria, en el medio de la tormenta, el viento y el frío, unos exteriores que le dieron al recital ribetes de epopeya épica.

Entrando a Vélez cuando la lluvia todavía no caía tan fuerte

Fuimos con mi hija, que nunca había visto a Charly tocar en vivo. Llegar con la lluvia no fue sencillo, estacionar menos...pero llegar, llegamos. Entrar al estadio fue comprobar la cantidad de padres que como yo habían ido con sus hijos, rockeros viejos, chicos que por edad no vivieron las épocas de Seru, Click Modernos o Los Indeseables pero que aquí estaban dando el presente. A pesar de la lluvia el clima era de fiesta, de alegría y sobre todo de afecto y de cariño.

Así era la vista del campo y las plateas de enfrente

Había expectativa por ver cómo estaría Charly después de un tratamiento tan largo, complicado por las medicaciones. Expectativa por ver cómo se movería recordando la rigidez lógica que le vimos en ese mini recital que dió en Luján. Y si tengo que hacer una comparación entre un momento y otro, el cambio es enorme. A pesar del clima que conspiró contra el sonido y la escenografía del ex De la Guarda Pichón Baldinú, la banda integrada por los chilenos Kiushe Hayashida (guitarra), Tonio Silva Peña (batería) y Carlos González (bajo) junto a los incondicionales el zorrito Von Quintiero (teclados), el negro López (guitarra) y la princesa Hilda Lizarazu (coros) estuvo impecable. Y después él. Charly tocó, bailó, dirigió, marcó el ritmo y

disfrutó con su banda y con todos los que estuvimos allí. Fue fantástico verlo de buen humor, desafiar la lluvia, verlo disfrutar con su banda, con su música y con su público. Cuánto hace que no vemos un recital de Charly completo, sin demoras, interrupciones, micrófonos o guitarras destruídas!!

Para los detratores, que siempre los hay, Charly cantó con su voz ronca y todavía no del todo recuperada, es cierto. Bailó pero lucía contenido y no con toda la chispa de otros tiempos, también es cierto. Pero volviendo desde el infierno, tengamos en cuenta que la mayoría daba dos mangos por verlo arriba de un escenario hace unos meses atrás. No sólo se bancó un concierto de más de dos horas con los bises incluídos sino que en la medida que avanzaba el concierto, su voz, mejoraba notablemente.

Si bien tocó un par de canciones de los últimos años de discos como Influencia o Rock & Roll Yo, la estructura musical del recital estuvo montada sobre la mejor parte de su repertorio con canciones como «Promesas sobre el bidet», «Cerca de la revolución», «Demoliendo hoteles», «Funky», «Adela en el carrusel», «Yendo de la cama al living», «Rap del exilio», «Raros peinados nuevos», «Canción de 2 x 3», «Llorando en el espejo» o «No me dejan salir», pasando por su último tema que le da nombre a este tour: «Tengo que volverte a ver».

Pero hubo también lugar para las sorpresas. En el día de su cumpleaños, Charly nos regaló el momento mítico del reencuentro con el Flaco, al que presentó como "mi ídolo y maestro" para compartir juntos «Rezo por vos». Fue el momento de mayor intensidad en el público, en la tempestad, pero sin sacrificio... Ver a los dos íconos de nuestro rock juntos fue muy fuerte.

El reencuentro de dos genios 23 años después

Charly está de pie. Sus manos incomparables sobre el piano intactas. Terminaron los tiempos de la demolición. Está claro que sin lluvia, en un marco tal vez más íntimo y con más presentaciones hay mucha más tela para cortar. Por lo pronto, Charly se animó a despegar y nosotros estamos felices.

Modificando el Blog !

2009-10-31T15:13:00.000-07:00

El tiempo no sobra pero finalmente pude completar la unificación del Blog! Las notas que pudieron ser rescatadas figuran con su fecha original de publicación. Así encontrarán algunas de las notas que se conservaron del Fellini Cineclub, del programa radial "Anima Italiana" y algún artículo suelto por ahí. Las notas correspondientes a otras proyecciones y eventos, los guiones de un crítico español bastante demente que hacía para el programa "Generación Gagá", otras reseñas del programa "Anima Italiana" y las notas escritas para el MJ Cineclub junto a una amiga, se han perdido en el ciberespacio. Si llega a aparecer algo de ese material, lo incluiré en el Blog.

Para la próxima les cuento sobre el Recital que dió Charly en Velez, la exposición Mr. América de Warhol en el Malba y otras cosas más que andan por ahí en mi cabeza.

Los Abrazos Rotos

2009-10-18T22:31:00.000-07:00

Volvió Almodovar. Luego de la excelente "Volver" llega "Los Abrazos Rotos” un thriller en que tenemos una historia de amor a cuatro bandas dominada por la obsesión, los celos, la venganza y la culpa. Todos temas muy almadovarianos que hace dificil entender algunas críticas que señalan que el director hace una película menos personal. A mí me parece personalísima. No solo por la textura del film en el que se reconoce rápidamente la factura del director sino también por su siempre desbordante fascinación por los personajes femeninos, el juego de máscaras presente en otros de sus filmes y su amor por el cine presente a lo largo de toda la película con referencias explícitas y no tanto a directores, actores y personajes que hicieron historia.

El punto de vista que narra la película es el de Lluis Homar que aquí interpreta a un director de cine (Mateo Blanco) pero también escritor bajo el seudónimo de Harry Caine. Después de quedarse ciego (como el "gitano" je...bueno, no, como el "gitano", no) se conforma con el segundo rol, viviendo el papel de su doble. Aquí tenemos una de las primeras referencias cinéfilas del director, recordando al personaje de Harry Palmer interpretado por Michael Caine en "Funeral en Berlín" (de ahí Harry Caine). Enterado de la muerte de un famoso empresario, Ernesto Martel (el siempre vigente José Luis Gómez), recibe la visita de un misterioso "Ray X" que lo lleva a recordar sucesos que pasaron hace 14 años en 1992.

Los flash-backs utilizados por el director no asombran porque no es la primera vez que utiliza este recurso en sus historias con personajes que están atrapados por un pasado o alcanzados por el mismo. Tampoco tenemos grandes sorpresas en el casting ya que Penélope Cruz, Lluis Homar y Blanca Portillo, como otros personajes secundarios del film, ya trabajaron con Almodovar en "Volver" o en "La Mala Educación" por citar las últimas realizaciones.

Los sucesos que repasa Mateo/Harry son los de la realización de su último film, "Chicas y Maletas" que no es otra cosa que un auto homenaje de Almodovar a sí mismo por la peli "Mujeres al Borde de un Ataque de Nervios". Para la realización de esa peli Mateo necesitaba un actriz y así conoce al amor de su vida, una mujer signada por la fatalidad: Penélope Cruz es Lena, un amor loco, un amor imposible. Una chica que quiso ser actriz y es la amante de un empresario inescrupuloso, un viejo obsesionado con una mujer que no lo quiere y con quien actúa su vida de pareja.

Lena, no es más que el diminutivo de Magdalena, como la Madelaine de Kim Novak en Vértigo, otro estudio sobre la obsesión de uno de los más grandes, el maestro Hitchock (y de paso Kim en esta película eran dos personas y la misma).

Y es que en estos personajes dobles aparece un elemento fundamental del film. Siempre hay una historia oculta, un misterio que siempre queda ahí, picando. Este jueguito aparece obviamente entre el viejo Martel y Lena, y se despliega en un típico triángulo con Mateo.

El viejo se entera de la verdad en stereo

Las historias laterales —la productora Judit García (Portillo), su hijo Diego, el hijo de Martel, la madre de Lena— conforman las barreras de la pasión de Lena y Mateo, una pasión que cualquier cinéfilo adivina está condenada desde el principio. Tal vez en esta pasión que en el escape de los personajes nos remite a Gun Crazy por citar una película de "amour fou" termina siendo uno de los puntos flojos de la peli. Personalmente me costó creerla ... supongo que faltó química entre los protagonistas.

Gracias a la bien concebida y orquestada fotografía del mexicano Rodrigo Prieto, Los abrazos rotos proporciona un deleite visual, tanto en los distintos interiores donde se mueve la trama como en los sorprendentes exteriores con aspecto de paisaje lunar. Almodóvar y su director de fotografía mueven la cámara con inquietud, con angustia, salvo en los planos en que la acción interna del encuadre es más importante. Por ejemplo, en la escena de la escalera cuando el cuerpo de Lena rueda inexorablemente. O cuando Lena y Mateo se entregan al sexo con una actitud bestial, desmesurada, en abierto desafío al mundo exterior que, literalmente, los espera afuera.

En ese viaje de escape para poder vivir su amor aparecen dos de las grandes imágenes del film. Dos amantes cuyo abrazo queda capturado por una fotografía. El abrazo eterno de los amantes pompeyanos descubiertos por la pareja protagonista (y rota) de Viaggio in Italia de Rossellini, film que los protagonistas ven abrazados frente a un televisor.

Mirando una de Rossellini por TV

Almodóvar intenta regresar a lo que fue sin excluir lo que es actualmente. Un realizador maduro, reconocido, notable, que a sus 60 años evoca sus pasiones de los años ochenta, con sus mujeres acorraladas y su necesidad de hablar de lo que está más allá de las apariencias. Tal vez por ello haya convocado a sus actrices de siempre a interpretar pequeños papeles: Chus Lampreave, Kiti Manver, Lola Dueñas, Mariola Fuentes, Kira Miró, Rossy de Palma. Y rescata del olvido a Ángela Molina, como la madre de Lena.

Los abrazos rotos se despliega de manera excesiva ante los ojos de quienes quieran encontrar una historia apasionada que va del presente al pasado, de la vida a la muerte, de la memoria al olvido, del amor al miedo. Pero ese exceso forma parte de su esencia, de su nerviosismo, de su necesidad de cerrar ciclos.

Ya lo dice Mateo Blanco al final: “las películas hay que terminarlas, aunque sean ciegas”.

Miserables y Criminales

2009-10-01T22:30:00.000-07:00

Políticos y empresarios que revisarán si para el 2020 vamos a reducir la emisión de gases de efecto invernadero; apetito inmoral por obtener ganancias de empresarios inescrupulosos que no quieren cambiar sus esquemas de producción; devastación indiscriminada de bosques que continúan reduciendo los pulmones de nuestro planeta; la acumulación de residuos tóxicos que desembocan en ríos y mares; la eliminación de especies completas que alteran el ecosistema. No se da cuenta esta gente que están condenando a sus hijos y nietos a un planeta inhabitable que, más temprano que tarde, está reaccionando desde sus mismas entrañas?

Si esta gente no se preocupa por sus propios hijos, cómo no van a reírse de los científicos que han venido pregonando estas calamidades desde hace tanto tiempo? Falseando evidencias, comprando voluntades...que es lo que mejor saben hacer ya que para ellos todo tiene un precio. Todo se vende o se compra.

Son 854 millones de personas en el mundo las que pasan hambre o están mal alimentadas. Cada dos segundos un chiquito muere de hambre. Si hay voluntad "política" para destinar billones de dólares a grandes conglomerados conducidos por hienas insaciables que se reparten bonificaciones escandalosas, cómo no hay para hacer desaparecer una plaga como el hambre??? Con un ligero porcentaje de lo que se gasta en armamento se resuelve el problema de la indigencia. No hacerlo es dejar que la pobreza crezca, que la marginación y los excluídos se multipliquen. Se habrán dado cuenta que salvo que pretendan colonizar otro planeta, a la larga no tendrán donde esconderse? Que la marginación engendra violencia y que esta a la larga desborda y se hace incontenible? Cierto, especuladores al fin, pensarán que ellos no lo sufrirán... está visto que lo que ocurra con las generaciones que siguen les tiene sin cuidado. Pero pueden calcular mal. Al paso que vamos tal vez lo vean...

Puñados de empresas tienen el dominio del planeta, presupuestos globales que superan al de varios países juntos. Nuestros datos más íntimos son manejados, escrutados, manipulados por empresas de marketing. Satélites nos vigilan y controlan. Millones de personas son explotadas, abusadas, envenenadas, idiotizadas. Y entre ellos los chiquitos, los más indefensos de todos: hambreados, explotados, comerciados. Llorando su miseria, excluídos de la más elemental asistencia en alimentos, salud o educación.

Los celulares nos idiotizan y ya no somos capaces de mantener una conversación que no sea interrumpida. Nos movemos por las calles como ridículos monigotes hablando solos, manejando vehículos con un celular en la mano, bajando ringtones, filmando espectáculos o hazañas amorosas para subirlos a la red para que otros tan imbéciles como nosotros puedan regodearse con el morbo ajeno. Consumidores idiotas que bajan ringtones, llaman a programas de televisión en el bazar universal donde todo se compra y todo se vende. Consumidores idiotas y funcionales a la maquinaria inmoral que arrasa con todo.

Los miserables están en todas partes. Aquí también. Son los mismos que denigran la violencia pero son responsables de la marginación. Los que piden mano dura pero llevan una vida de lujos y placeres mientras explotan a sus semejantes. Los que les despojan de toda dignidad. Los que piensan que la pobreza es una decisión individual. Los que creyeron en el "algo habrá hecho" o los que votan al que "roba pero hace". Los que no dudan en cometer cualquier clase de inmoralidad siempre que tengan algún artilugio legal para cubrirse. Los que se llenan la boca hablando de educación y cultura pero los que menos la apoyan. Los que no ven mal que se les deba 3 meses de sueldo a los actores del Teatro Gral. San Martín, o los que reducen integrantes de la Orquesta Municipal sin entender que una Orquesta no se puede "recortar"o "reestructurar". Son los que desde la más absoluta impunidad enuncian que lo que más les importa es el "capital humano", olvidando que las personas somos eso...personas y no cosas que se ponen en un lado o que se fugan al exterior (salvo cuando son perseguidos y deben exiliarse por pensar diferente).

Así como el planeta sabe encontrar resquicios para defenderse aunque esto condene al hombre, el mismo hombre también tiene que saber encontrar los valores que le permitan resistir y recuperar su dignidad.

Solo con gran responsabilidad por el tremendo daño que hemos causado al planeta, el daño que nos hemos causado, no sólo a nosotros, sino que estamos infligiendo a las próximas generaciones, podremos reparar estas grandes injusticias. Jamás encontraremos ese sentido de responsabilidad que nos lleve al cambio en una humanidad, en una sociedad o en una comunidad que acepta el genocidio de nuestros chicos. Una sociedad que nos piense como consumidores, como clientes, como objetos. Los objetos no sienten.

Tengo mucha bronca y escribo lo que sale y como sale. Miserables... pero está en nosotros cambiarlo. Pedro y Pablo, León, Charly, Fabi Cantilo, Hilda, Baglietto, el Pelado y varios más nos cantan lo mismo...

Paths of Glory y las cabezas en bandeja de plata

2009-08-11T22:50:00.000-07:00

Pedir "la cabeza de alguien en bandeja de plata", es una desagradable expresión atribuída a la princesa Salomé, hijastra de Herodes. No sabemos que pasaría por la cabecita de la bella Salomé, hay razones de todo tipo, también literarias como la de Wilde: parece que la princesa estaba caliente con Juan el Bautista y este no le daba bola.

Se puede llegar a pedir la cabeza de alguien por capricho? Suele ser bastante frecuente. El victimario en general se considera víctima de una situación que lo desfavorece y la cabeza en cuestión un trofeo arrancado al enemigo, el justo castigo por el mal ocasionado. Cierto progreso, cierta evolución de los derechos del hombre, ha permitido reducir fuertemente el trabajo de los verdugos. Pero la expresión sigue tan vigente como en el pasado. A veces peligrosamente vigente. Se sigue pidiendo la cabeza de Presidentes (en el pasado no tan lejano ha sido algo más que un eufemismo), de políticos, de funcionarios, de deportistas (aún cuando salieran segundos), de técnicos. En nuestra vida cotidiana se pide la cabeza del "delincuente", sin atender a causas, al origen del problema. No hacemos distinciones, si tiene 10 años bajemos la edad de imputabilidad. Muchas veces el clamor por la testa quiere expresar una forma de reparación, una suerte de deseo de justicia. Claro, la justicia de barricada, el tribunal popular, puede terminar en ajusticiamiento, algo que puede estar a distancias siderales de cualquier ideario de justicia.

Y es que el damnificado, la "víctima", no suele estar preparada para atender razones. Mucho menos en una sociedad hipócrita como la nuestra, donde todo es cortoplacista, donde no interesa escuchar al otro. No interesa porque no hay tiempo, porque escuchar implica reflexionar sobre lo que el otro dice. Atender las razones que el otro esgrime por ahí, capaz, tal vez, implica que yo puedo tener algo que ver con eso que no me gusta, con el motivo de mi queja o peor, de mi reclamo. Si el politico me falló, hay alguien que lo votó. Al funcionario que no cumple, alguien lo nombró. Pasa con el empleado de mi negocio, con el proveedor, con el service, con mi tía y con mis amigos (en estos casos solemos ser menos severos, podemos llegar a matar con el silencio o la indiferencia y no nos hablamos más...mmm. menos severo?). Pasa en el sector público y en el privado. Pasa en la vida.

Todos hemos pasado por alguna experiencia en la que alguien "paga los platos rotos", con su cabeza expuesta en una bandeja de plata, víctima de intereses, difamaciones o simplemente parte del circo, arrojados a los perros.

- Echaron a Carlitos.

- Pero cómo, qué pasó?

- Y... parece que no cumplió la meta, no logró implementar el Zaranganzanga X28.

- Ah...pero como va a implementar esa porquería, es vox populi que no va ni para atrás ni para adelante. Era un fracaso garantizado!

- Sí, se lo comentó varias veces al jefe, pero ese tipo estaba convencido que era de lo mejor, por eso compraron el Zaranganzanga X28...

- Ah, pero él les avisó que no lo compraran, que era chatarra pura...

- Sí, sí...pero bueh, vos viste como es el tema... te oyen pero no te escuchan.

- Che, que injusto... Bueno, Carlitos es de primera, algo va a conseguir. Me imagino que al jefe lo habrán mandado a la casa también, no?

- No, no. El que lo echó es el jefe.

No es una situación exagerada. Es casi una obviedad que los campeones de la moral y de la ética suelen ser precisamente quienes más adolecen de ellas. Son situaciones que me recuerdan siempre a una película entrañable del genial Stanley Kubrick, "Paths of Glory" (1957), estrenada en Argentina con el desafortunado título de "La Patrulla Infernal". Cuando alguien me cuenta alguna historia similar, le recomiendo invariablemente esta peli. Kubrick nos cuenta una historia de la primera guerra mundial. Un mariscal francés llega a la trinchera donde los franceses resisten a los alemanes. Se entrevista con el general Mireau y le pide que ataque a la posición alemana en una colina. Ya llevan demasiado tiempo en esa posición y es hora de pasar al ataque. Mireau se sorprende, conoce el paño y le dice que no se puede. Que es una masacre. Que no puede enviar sus hombres a una muerte segura. Pero el mariscal lo tienta con un ascenso. Conquistar esa colina es en beneficio de ambos. Mireau cambia de opinión y se convence rápidamente de que el ataque es factible. Llama al coronel Dax (nunca admiré tanto a Kirk Douglas como en esta película). Dax le muestra la colina, es una masacre, trata de convencerlo. Saludo uno, saludo dos...Hay que atacar.

Dax es un héroe, es valiente y se pone al frente de las tropas pero las ametralladoras alemanas los barren, los liquidan, los despedazan. Tienen que volver a la trinchera. Era previsible. Mireau se vuelve loco de furia. El mariscal necesita un triunfo. El, Mireau, necesita un triunfo. Ordena bombardear a sus propios soldados. No tolera la humillante derrota. Un sargento le dice que no puede hacer eso, salvo que lo firme, que se haga responsable. Mireau no firma. Los soldados, lo que queda de ellos, regresa. Alguien tiene que pagar. Pero Mireau no se conforma con una cabeza. Eran tres pelotones...bueno, quiero tres cabezas le dice a Dax. Que el jefe de cada pelotón elija tres soldados para juzgarlos "ejemplarmente" por cobardía. Casualmente, cada jefe elige al soldado que menos se banca, al que más detesta. Se forma un Consejo de Guerra y Dax es el oficial que los defiende ante el Tribunal. Nadie lo escucha. Los soldados son fusilados y así expiada la causa del fracaso militar: la cobardía de los soldados, no la disparatada decisión de tomar una colina inexpugnable.

Dax, indignado, se presenta al superior de Mireau. Se entrevista con el mariscal. Acusa a Mireau de ordenar disparar contra sus propios hombres. El mariscal invita a Mireau a tomar un té con croissants. Y ahí, con la cara de mármol que tienen estos hijos de puta, le dice que surgió un problemita, y ahí nomás le tira la acusacion que hay en su contra. "Esa es una infamia", reacciona Mireau. "Pero claro Mireau, te será fácil demostrarlo en un Consejo de Guerra". Sale y por otra puerta entra Dax. El mariscal lo felicita y le ofrece el puesto de Mireau y agrega "Hijo, hizo un buen trabajo; supongo que por eso usted hizo lo que hizo". Dax, fuera de sí le contesta: "General, antes que nada yo no soy su hijo. Usted es un viejo cínico y repulsivo. Preferiría ser la mayor inmundicia de este mundo antes que ser su hijo". El mariscal no se inmuta...continua bebiendo su te, se limpia con una fina servilleta y atribuye el exabrupto al nerviosismo y al cansancio del oficial. Dax se va, impoluto. El film termina.

Necesitamos gente con valores como Dax. Preferentemente con otra profesión. Yo pienso que deben haber pocos, pero que existen. Necesitamos que existan.

Fellini y el Libro de los Sueños

2009-07-22T22:15:00.000-07:00

Federico Fellini no necesita presentación. Tampoco hace falta explicar el por qué de mi gran admiración por este genial cineasta. A modo de ejemplo, basta recordar algunas de las columnas que le dediqué en el ciclo de "anima italiana" por radio palermo o la fundación del Fellini cineclub, hoy lamentablemente cerrado (en el futuro escribiré una nota sobre la realidad de los cineclubes en Argentina). En todo caso, el motivo de esta nota no es recordar al Fellini cineasta. O en parte sí, pero indirectamente. De lo que se trata, es mostrar al Fellini soñador. Sí, si, ya sé...todo genio creativo es de alguna manera un gran soñador, un soñador despierto. Pero no, la cuestión aquí es referirse estrictamente, literalmente, al Fellini que soñaba y al que, una vez despierto, dibuja y escribe sus sueños en un ritual exorcista que duraría 30 años. Este ritual, el de representar sus sueños en un cuaderno, se inicia en 1960 siguiendo las sugerencias de su psicólogo personal. En ese año además, se produce un giro creativo en el cine de Fellini, ya que a partir de "La Dolce Vita" iría abandonando el cine neorralista y se plasmarían con más fuerza los elementos oníricos, la materialización del inconsciente, en definitiva lo que está más allá de lo que llamamos realidad. No es que en la primera etapa de su cine estos elementos de ensoñación no estuviesen presentes, estaban ahí, pero no con la misma fuerza.

Hasta no hace tanto tiempo, los dibujos y relatos de estos sueños extraordinarios, se había podido apreciar en algunas exposiciones de arte. Hace dos años, la Editorial Rizzoli obtuvo los derechos para la publicación de "Il libro dei sogni" (el libro de los sueños), recopilando de manera completa, los dibujos y escritos correspondientes a los sueños del gran Federico entre los años 1960 y 1990. El libro nos trae al Fellini íntimo. Un diario personal ilustrado con sus obsesiones, sus deseos y sus pesadillas. Y logícamente, los dibujos son junto con su cine, un ejercicio autobiográfico más, donde no faltan su Rimini natal, la infancia y sus amigos, el surrealismo, los conflictos con el padre y desde luego, no podían faltar las mujeres y lo erótico.

A quienes conozcan sólo la faceta cinematográfica de Fellini, les sorprenderá la calidad de sus dibujos. Pero a no sorprenderse tanto. Antes de dedicarse al cine, Fellini fue dibujante. A los 20 años ya había publicado viñetas, dibujos y relatos en revistas y semanarios bajo el seudónimo de "Fellas". Posteriormente tiene una experiencia como dibujante publicitario, lo que le permite relacionarse con gente de la industria cinematográfica. Pero esa ya es otra historia.

Tengo el placer inmenso de disfrutar de este libro que hace poco llegó a mis manos. Una verdadera reliquia que me gustaría compartir de alguna manera con ustedes. Y qué mejor manera de hacerlo que transcribir uno de los sueños del maestro? Así que ahí va... qué lo disfruten!

Sueño de Diciembre de 1974

En la gran canasta de un globo aerostático junto con el Papa Paulo VI, que lleva el birrete rojo de Papa en su cabeza. La situación podría considerarse peligrosa porque no hay globo a la vista por encima de nuestra pequeña nave. Pero todo iba bien y no tenía miedo. La playa y el mar de Riccione están abajo, lleno de gente mirando hacia el cielo y señalando algo. De pronto una maravillosa criatura que viste un traje de baño aparece, más alta y extensa que el Mont Blanc. Una mujer, una Diosa es lo que parecía. Miró hacia el cielo azul sin vernos y luego, desde su increible, bella y suave boca soltó un "oh" de asombro y el cielo entero se cubrió de nubes blancas.

Nota:

El Papa le dice a Fellini: "Ahí está, Fefé, la gran fabricante de nubes que se disuelven! Ahí está !

Star Wars - The Exhibition Argentina

2009-07-05T23:36:00.000-07:00

STAR WARS - THE EXHIBITION

CENTRO CULTURAL RECOLETA

Star Wars The Exhibition Argentina expondrá más de 200 piezas originales de los seis episodios de Star Wars, la película que ha encantado a generaciones por más de treinta años. "Naves espaciales de gran tamaño, vehículos, maquetas, miniaturas, vestuario, personajes e ilustraciones, harán que los visitantes se sientan parte de una aventura en una galaxia muy, muy lejana" dicen los organizadores.

Allí estaremos!! Apenas tenga el material estará posteado compartirlo con ustedes. Aprovechando la ocasión, hagamos un repaso en los orígenes de Star Wars y los elementos que inspiraron a George Lucas a generar la saga más importante entre las películas de ciencia ficción.

Lucas, desde pequeño era un fanático de la saga creada por la Universal de Flash Gordon, una de las tantas que se daban en las funciones de matiné de los cines. Ya como director, la idea de hacer un largometraje con las aventuras de Flash Gordon rondaba su cabeza, pero este proyecto debió ser descartado porque los derechos cinematográficos de Flash Gordon eran muy elevados. De todas maneras, la influencia de aquella historia estuvo siempre presente.

Revisando los impresionantes special features del pack con la primer trilogía de Star Wars, nos enteramos que en 1962 Lucas tuvo un grave accidente que lo obligó a estar en cama durante varios meses. Fue ahí que el autor se tropieza con el libro de Joseph Campbell, "El héroe de las mil caras". Este libro fue otra de las fuentes notables para la construcción del universo Star Wars, con sus héroes, sus mitos y la diversidad de mundos y criaturas.

Otra influencia importantísima en la construcción de los personajes principales de Star Wars fue la fabulosa película de Akira Kurosawa, "La Fortaleza Escondida" (Kakushi Toride No San Akunin - 1958). La película de Kurosawa está ambientada en las guerras del Japón Feudal del Siglo XVI bajo la mirada de dos graciosos campesinos, siempre envueltos en el medio de los acontecimientos, miedosos y discutiendo todo el tiempo entre ellos. Verlos nos trae la imagen de C-3PO y R2-D2. Pero en la historia de esa pelicula también aparece una princesa que intenta huir de sus enemigos, escoltada por un guerrero samurai (el genial Toshiro Mifune). Una vez más, tenemos el paralelismo con Leia y Obi-Wan. Los combates de las espadas samurai, el traje de Darth Vader basado en las armaduras de estos guerreros, son otras influencias de las que se nutre Lucas, sin olvidar las cortinas de transición entre escenas (homenaje?).

Entre los libros de Campbell, Castaneda o Tolkien; la influencia cinematográfica de Flash Gordon; "La Fortaleza Escondida" y una estética que nos recuerda a las viejas películas de indios y vaqueros, Lucas construyó la idea para la franquicia más impresionante de la ciencia ficción, tan importante que salvó de la quiebra a la Fox y generó la fiebre del merchandising, o hay algún fanático que no tenga su action figure?

Adiós al Rey del Pop

2009-07-02T22:50:00.000-07:00

A los 50 años murió Michael Jackson, el Rey del Pop, como lo bautizó su amiga Elizabeth Taylor. Incredulidad, tristeza, son muchas las sensaciones que se amontonan cuando revisamos las noticias. Murió nomás, en circunstancias no del todo claras, tema sobre el cual no me interesa opinar.

Eso se lo dejamos a Feinmann, a Rial y a toda esa gentuza a la que les encantan los golpes bajos y polemizar con las acusaciones de las que fue objeto y por los rumores que lo rodea ron (muchas veces alentados por él mismo). Me parece mucho más interesante recordarlo como genio musical y artista, por su enorme influencia, sus impresionantes videoclips y el cine.

Por ejemplo, algunos paralelismos innegables con Elvis. Y no me refiero a que se haya casado con su hija, Lisa Marie; sino a que esta hace un par de días escribió en su página de Myspace que MJ solía hablarle acerca de sus presentimientos de una muerte en circunstancias similares a la de su famoso ex suegro. Como se sabe, ambos murieron del corazón antes de inmortalizarse artísticamente. Los dos fueron geniales, excéntricos, obsesivos. Ambos llegaron a la cima del éxito y también conocieron la caída. Elvis, el Rey del Rock & Roll y MJ el Rey del Pop, míticos, legendarios, dejaron tras de sí una legión de fans que han adoptado como capitales emblemáticas de la música a Graceland y Neverland.

Pero a diferencia de Elvis, MJ fue un verdadero niño prodigio. Con apenas 5 años integró junto a sus hermanos Jackie, Tito, Jermaine y Marlon la banda Jackson 5. El grupo estuvo en actividad hasta mediados de los ‘70 y desarrolló su repertorio en base a los estilos R&B, soul y funk. Estuvieron entre los principales artistas del sello que los lanzó: Motown.

Prueba de ello es que Motown (junto a Stax uno de los principales generadores de música soul y funk) cumplió este año 50 años (otra curiosidad) y propuso a sus fans elegir las 50 canciones más populares de su frondoso catálogo. De las 50 elegidas, siete eran de los Jackson 5.

En enero del ’72 comienza en paralelo su carrera solista al lanzar “Got To Be There” y en el ’78 Jacko participa de la remake de “El Mago de Oz” (en versión afroamericana) en el papel de “espantapájaros”. La película fue un fracaso pero al menos tuvo la virtud de reunirlo con quien fuera el productor musical de sus mayores éxitos, el increíble Quincy Jones.

Por noviembre del ’82 estaba terminando la secundaria (yo, no MJ) y es imposible olvidar la aparición de “Thriller”. Las estadísticas de este álbum son impresionantes. Cuando salió superó las 40 millones de copias y hoy va por 104 millones. Muchos consideran que tal vez no esté tan logrado como el anterior Off the Wall” pero los condimentos de dance-pop, funk y soul nos rompieron la cabeza en su momento y siguen haciéndolo aún hoy.

Estremece el funk-rock de “Beat-it” (el solo de guitarra de Eddie Van Halen!!), la colaboración con Paul McCartney en “The Girl is mine” y el deleite que nos produce esa balada genial que es “Human Nature”, tan fantástica que Miles Davis la versionó. Ahora si hay un tema que lo catapultó como estrella, ese tema fue “Billie Jean”. A partir de allí, videoclips revolucionarios ("Thriller", pionero y aún hoy una insuperable pieza dentro del género) y la búsqueda de la legitimidad por parte de la realeza rockera (el dueto con Mick Jagger en "State of Shock", incluido en el regreso de los Jackson 5; las colaboraciones con McCartney que continuaron hasta que MJ adquirió el catálogo de los temas emblemáticos de los Beatles, lo que Sir Paul consideró una traición; y la composición del himno a beneficio "We Are The World" junto con Lionel Ritchie).

Buscando superar su propio éxito, Jacko lanza el álbum “Bad” en 1987, acompañado de una autobiografía titulada Moonwalk.

La portada nos devuelve un MJ de cutis mucho más claro y facciones más andróginas, reflejando el cambio físico que sería ya habitual en él. Este disco tiene varias de sus mejores canciones, como la que le da nombre al álbum y “Dirty Diana” en la que parece medirse a duelo artísticamente con el otro genio de la época, Prince. En cambio, “Leave Me Alone” parece mosrar los primeros rasgos paranóicos detrás del astro. Sobre el videoclip hablaremos más adelante.

En los ’90 comienza un cierto declive artístico, posiblemente ligado a la separación de la dupla conformada con Quincy Jones. Los ’90 que no fueron precisamente de las mejores décadas en cuanto a música, y tampoco lo fueron para Jacko. Sus trabajos lograron éxito comercial, eso es innegable, pero desde lo creativo muestran una aparente mayor preocupación en los efectos sonoros que a las melodías. En esta época crece el personaje mediático, el balanceo de su hijo en el balcón, el uso del barbijo (todo un precursor!!), sus incesantes mutaciones, las acusaciones (hoy existe consenso sobre las falsedades de las mismas) y su bancarrota. El último intento por volver a ser la estrella que fue era la gira “This Is It!” con 50 shows pre-vendidos en el estadio O2 de Londres. Una vez más, el número 50.

Jacko y sus incursiones en el mundo del cine

En el campo del largometraje, lo más conocido es su cameo autoparódico en ‘Men in Black II’, y su único film, “Moonwalker”, es un raro documusical dirigido principalmente a sus fans.

Sin embargo, MJ cuenta también en su curriculum cinematográfico con varias obras cuyos directores los van a impresionar “un poquito”.

1º) Sidney Lumet (“Doce hombres en pugna”, “Veredicto Final”, “Tarde de Perros”) fue el director de “El Mago” (1978), una versión pop de “El mago de Oz” en la que MJ hizo, como ya señalamos, el papel del espantapájaros.

2º) John Landis firmó el videoclip ”Thriller”, la pieza con la que Jacko empezó a gestar su leyenda de “El Rey del Pop” y con la que revolucionó el mundo del videoclip. Como curiosidad, qué poster de una famosa película de Vincent Price (narrador del clip) aparece el mismo?

3º) Francis Ford Coppola dirigió y co-escribió “Capitán EO”, con historia de George Lucas, en la que MJ interpretaba al citado Capitán EO, el cual surca la galaxia en su nave junto a su estrafalaria tripulación de alienígenas. Luego de un accidente cae en un paraje oscuro dominado por una malvada emperatriz, interpretada por Angelica Houston.

4º) El malogrado Stan Winston, uno de los perdidos maestros de los efectos visuales y maquillaje cinematográficos, aparece acreditado como director de “Ghosts”, y como co-guionista junto a Stephen King, en este corto de terror de 38 minutos en el que MJ interpreta a un extraño hombre que vive en una misteriosa mansion en una colina que el pueblo cree encantada. Un día, el alcalde del lugar con los pueblerinos decide afrontar sus miedos visitando el tenebroso lugar.

Pero el verdadero “boccato di Cardenale” es el videoclip dirigido por el grandioso Martin Scorsese (no hace falta presentarlo, no? ). Este videoclip de 18 minutos es tal vez uno de los mejores en su rubro. Con guión de Richard Price (“El color del dinero” esa peli con Paul Newman y Tom Cruise), MJ daba vida a Daryl, un estudiante que ha finalizado sus estudios en un colegio privado, todo bien, todo legal. Al volver a la ciudad, se reencuentra con sus viejos amigos de una banda, liderados por Wesley Snipes. Al principio, la relación con la banda es amigable pero posteriormente se vuelve complicada, porque consideran que Daryl ha cambiado. Ven ridículas las actitudes que toma hacia pequeños delitos. Sin embargo, él les demostrará lo “bad” que puede llegar a ser.

El primer año del resto de nuestras vidas

2009-07-01T21:45:00.000-07:00

No sabemos las razones por las que se cambió el título original del film "Un conte de Noel" (un cuento de Navidad) por el más largo y solemne "El primer año del resto de nuestras vidas". Sea como fuere, no se trata del típico cuento edulcorado, sino de un muy interesante film de Arnaud Desplechin. Este film se estrenó en el último BAFICI pero no tuve la oportunidad de verlo. Confieso que es la primer película que veo de este director y aseguro que no será la última. Veamos:

Se trata de una película coral, el retrato de una familia poco convencional (con algunos toques de los excéntricos Tenebaums) en la que el director nos muestra las angustias, conflictos y rencores que se fueron acumulando. En los primeros minutos de proyección se nos introduce a la tragedia: la enfermedad del primogénito que solo puede salvarse a través de un transplante de médula ósea. Los hermanitos que se suceden con la esperanza de encontrar un donante que no aparecerá. La muerte del chico. No pasan dos minutos que, décadas después, la madre de esta familia (una irónica Catherine Deneuve), se entera que también tiene una leucemia incurable y necesita a su vez de un donante. Así, sin anestesia, nos preparamos para ver que con la excusa del reencuentro familiar en la casona del pueblito de Roubaix, se van sucediendo otras historias, situaciones que dejan el tono lúgubre del comienzo: Anne Consigny, la hermana que exilia a Mathieu Amalric (el "malo" de Quantum of Solace), el hermano jodido de la familia, un triángulo amoroso, un sobrino esquizo que ve perros negros y el padre de familia, un enorme Jean-Paul Roussillon que es una delicia de actuación, con su voz ronca y su timing preciso en cada diálogo imperdible, en los que no faltan citas literarias que van desde Emerson hasta Nietzche.

Mi mamá no me quiere

Con precisión de orfebre, Desplechin ama a sus actores y los maneja con gran habilidad. Hubiera sido fácil caer en el exceso o en los golpes bajos y sin embargo logra una película fresca, entretenida, con toques de humor, nunca pesada a pesar de las 2 horas 30 de duración. Refleja la ocasión de un reencuentro tenso y la posibilidad de un nuevo comienzo. Todo regado con abundantes homenajes que muestran la admiración del director por Hitchcock y el cine de la nouvelle-vague y una fotografía fantástica de Eric Gautier. Merci, Mr. Desplechin!

2 COMENTARIOS:

dyeve dijo...: haha..mi mama no me quiere..
nice blog...smiles; 9 DE AGOSTO DE 2009 9:33
Javier Conigliaro dijo...: Muchas gracias por pasar x el blog. Saludos; 17 DE AGOSTO DE 2009 18:43

Expedición Voto rodeados por la Gripe A

2009-06-28T20:43:00.000-07:00

Domingo 28 a la mañana, es el cumple de mi hija. Detesta a nuestro ex presidente en funciones porque adelantó las elecciones y no se le ocurrió mejor idea que hacerlas el día de su cumpleaños. Gracias a la pro eficiencia combinada con vaya a saber uno que cosa (hemos aprendido que todo lo que Macri no ha podido cumplir o resolver es culpa del gobierno nacional) no han modificado mi domicilio. Así que, aunque viva en capital, debo votar en la Provincia.

Prendo la tele y parece que hoy no nos taladrarán la cabeza con las noticias que provocan pánico, miedo y depresión debido a la inseguridad. Están las que nos queman la cabeza con pánico, miedo y depresión por la gripe A. Y es que una cosa es informar y prevenir mientras que otra es ver al ejército de movileros sin cerebro preguntando en las farmacias porque no entregan el tiramisú, a la gente denunciando que en el hospital pindongo no le hicieron el hisopado, la gente amontonada en las guardias para ver si tiene la enfermedad (y posiblemente contraerla), barbijo sí, barbijo no, Macri diciendo que la gripe A es una gripe común y que "la gente no se asuste" (vos nos asustás más) y la repetición de cifras y estadísticas en un país que nunca las manejó seriamente (y esto excede a Patota Moreno). Whatever…salimos pertrechados de plasticola y alcohol en gel hacia las tierras de Animal Fernández. Cinco grados de sensación térmica y allá vamos.

Ir a votar a una escuela de la Provincia es comprobar que la educación no sólo no es prioridad, ni siquiera está en la agenda de nadie. Vidrios rotos, falta de higiene, etc. Bastante gente esperando. Ahí me acuerdo, no era que había que tomar distancia? Un metro dijeron? De dónde…ah, por eso debe ser que los vidrios están rotos. Los ambientes tienen que estar ventilados.

Mientras espero pienso en quien votar. Cazzo! Mi voto en capital estaba cantado pero en la tierra del motonauta? Elegir un candidato progresista en la Provincia no es tarea fácil. Después de todo, a qué político le importa la cultura o la ciencia? Nuestros artistas, nuestros científicos brindan la imagen de un país fantástico, increíble, dónde se crea, se realizan obras que están al mismo nivel que en cualquier lugar del planea. En cambio, nuestros dirigentes muestran un país escandaloso, corrupto, y retardado que no lo entiende ni el más agudo analista politico, ni los de izquierda o derecha, ni los que nos quieren ayudar o hundir, sacar los recursos naturales o protegernos contra la depredación. NADIE. Mientras que cualquiera se maravilla con la producción de cine o teatro que hay en nuestro país, todo a pulmón por supuesto. En cualquier lugar del mundo se admira a Borges, a Sábato. En todas partes se reconoce el talento de nuestros músicos, de Charly a Piazzolla, pasando por Barenboim, Santolaya o el Flaco. Se aplaude a Norma Aleandro o se aprecia la cratividad de un Quino, un Capusotto o Les Luthiers.

Llego a la mesa y veo una botellita de alcohol en gel y una almohadilla humedecida…ah, bien! Al menos los equiparon. No, no…me dice el Presidente de Mesa, las traje yo, por las dudas… Entro al cuarto oscuro (será por eso que votamos mal?) y ahí están las boletas testimoniales, las del Properonismo, las de Stolbizer y Alfonsín (que usa los trajes del padre!!!) pasando por una que dice grande, en letras de molde, “Nina Pelozo”. Okey… hay que elegir aunque sea nada, porque a veces nada es la mejor opción.

Cine Contagioso

2009-05-27T22:32:00.000-07:00

Algunos entran en pánico, otros niegan la enfermedad, muchos nos preocupamos por este nuevo bicho inmundo: la influenza H1N1 o Gripe A. Es probable que algún productor ya haya encargado un guión para la realización de un nuevo film catástrofe. Mientras tanto, les propongo un recorrido por la historia del cine para ver cuál es el tratamiento que han tenido de parte de diversos directores estas temibles epidemias (se recomienda leer provisto de barbijo, lysoform, guantes y alcohol en gel a la mano).

Un poco de historia

La pandemia más terrible de la humanidad ha sido la tremenda gripe española que se cobró entre 50 y 100 millones de habitantes en este planeta a lo largo de 1918-1919. La recientemente finalizada I Guerra Mundial había generado en comparación 16 millones de muertos.

Policías en Seattle visten mascarillas para evitar el contagio de gripe, diciembre 1918

Como si hubiera sido una espantosa pesadilla de esas que uno trata de olvidar, el cine no tuvo demasiado interés en ese tema y no abundan cortos o largometrajes que nos muestren episodios de dicha tragedia. Sin embargo otras enfermedades epidémicas han tenido mejor suerte en el cine, especialmente la Peste Negra y el Cólera, que se siguen manteniendo más o menos vigentes en la pantalla. Nuevas plagas, como el SIDA o el Ébola, revisten actualidad, en tanto que la Fiebre Amarilla o la Difteria parecen superadas. Mientras tanto, la ayer amenazadora y hoy tratable Poliomielitis, generaró muchos rollos de celuloide. Otras epidemias han servido para justificar la intrusión del hombre blanco, poseedor de la medicina para detenerlas, en pueblos atrasados y diezmados. Pasen y vean.

THE PAINTED VEIL (Al Otro Lado del Mundo-2006) de John Curran: En los años '20, luego de descubrir la infidelidad de su esposa, Edward Norton es un bacteriólogo inglés que marcha hacia una aldea de Shanghai, donde estudia y trata de luchar contra una epidemia de cólera que surge en un medio de arrasadora pobreza y falta de previsión sanitaria, algo así como nuestro conurbano bonaerense. Previas versiones de esta trama, tomada de la novela de W. Somerset Maugham, son relatadas en THE SEVENTH SIN (El Séptimo Pecado-1957) de Vincente Minnelli, con Jean-Pierre Aumont y Eleanor Parker y su versión original, THE PAINTED VEIL (El Velo Pintado-1934) de Richard Boleslawski, con Herbert Marshall y Greta Garbo.

Greta Garbo y Herbert Marshall en THE PAINTED VEIL (1934)

El cólera está presente en LOVE IN THE TIME OF CHOLERA (El Amor en los Tiempos del Cólera-2007) dirigida por Mike Newell y basada en la novela de Gabriel García Marquez. La peli cuenta la (larga) historia de amor de un hombre que espera por su amor verdadero en el marco de un brote en la mítica Cartagena de Indias, lugar donde los "síntomas del amor se confunden con los de esta enfermedad". Un verdadero desperdicio de la obra de Gabo y otra prueba de que es muy difícil llevar al cine libros tan buenos. El tema también está presente en el film CONTAGIOUS (1997) con Lindsay Wagner (la mujer biónica) y una bacteria que viaja desde México a infectar Los Angeles (aunque en este caso nadie cerró las fronteras); en LE HUSSARD ET LE TOIT (El Húsar en el Techo -1995) de Jean-Paul Rappeneau, con Juliette Binoche y Olivier Martinez sobre la enfermedad que atacó a Francia en 1830; en THE SECRET GARDEN (El Jardín Secreto - 1949), con Margaret O'Brien, en que los padres de la joven protagonistafallecen en India de esta enfermedad y podríamos agregar finalmente a la extraordinaria LA MORTE A VENEZIA (Muerte en Venecia-1971) del genial Lucchino Visconti, con el no menos genial Dirk Bogarde, en una ciudad que no admite estar alcanzada (condenada?) por la epidemia (como vemos, la negación no es patrimonio exclusivo de nuestra conocida cinéfila).

Dirk Bogarde se despide en MORTE A VENEZIA (1971)

Hay epidemia en A BULLET FOR SANDOVAL (Los Desesperados-1970) de Julio Buchs y en AKAI TENSHI (El Ángel Rojo-1966) de Yasuzo Masumura, donde una abnegada enfermera debe enfrentar todo tipo de penurias de la guerra chino-japonesa de los años '30, incluyendo el cólera. Varias mujeres aisladas en la Mongolia de los años '30 enfrentan una epidemia en SEVEN WOMEN (Siete Mujeres-1966) del Maestro John Ford y ocurre algo similar en THE BARBARIAN AND THE GEISHA (El Bárbaro y la Geisha-1958) de John Huston, donde el cónsul americano en Japón (John Wayne, el actor fetiche de Ford) se las ve con un contagio masivo en el puerto de Shimoda.

Ayako Wakao, la enfermera del film de Masumura

En ELEPHANT WALK (La Furia de Ceylán-1954) de William Dieterle, también está presente esta terrible enfermedad, con una plantación puesta en cuarentena debido a la muerte de un sirviente; PACIFIC LINER (Transpacífico-1939) de Lew Landers, donde la enfermedad se desata a bordo del "S.S. Arcturus" luego de encontrarse con un mercante chino afectado por la bacteria; el drama THE LIGHT AHEAD (La Yegua-1939) de Edgar G. Ulmer, donde el cólera es un fantasma que se termina manifestando; THE REAL GLORY (La Última Frontera-1939) de Henry Hathaway con una epidemia en las Filipinas; THE WHITE ANGEL (El Ángel de la Piedad-1936) de William Dieterle, donde los pacientes son atendidos por Florence Nightingale (Kay Francis); THE WHITE SISTER (La Monjita) versión de 1933 dirigida por Vitor Fleming, con Helen Hayes y Clark Gable, versión de 1923 dirigida por Henry King, con Lilian Gish y Ronald Colman y versión de 1915 dirigida por Fred E. Wright, con Vila Allen y Richard C. Travers, con sendas epidemias, todas basadas en la obra de F. Marion Crawford; RAIN (Lluvia-1932) de Lewis Milestone, con una epidemia que ataca la isla de Pago Pago; THE BLONDE SAINT (La Diosa Rubia-1926) de Svend Gade, con una aldea siciliana atacada por la enfermedad; YOUTHFUL CHEATERS (Juventud Farsante-1923) de Frank Tuttle, con epidemia en las islas de los Mares del Sur; WITHOUT BENEFIT OF CLERGY (El Nido Deshecho-1921) de James Young, con la epidemia desatándose en Lahore, Pakistán. También ofrecen ecos de una epidemia todas las biografías de Peter Illich Tchaikovsky, como por ejemplo SONG OF MY HEART (La Sinfonía Trágica-1948) de Benjamin Glazer.

SO WELL REMEMBERED (Un Día Inolvidable-1947) de Edward Dmytryk: Repasando sus últimos 26 años, George Boswell (John Mills), alcalde de Browdley, un modesto pueblito inglés, rememora una epidemia de difteria que se origina a causa de las condiciones anti-higiénicas de una barriada humilde.

Brian Aherne y Carole Lombard en VIGIL IN THE NIGHT (1940)

VIGIL IN THE NIGHT (Noches de Angustia-1940) de George Stevens. Una enfermera abnegada (Carole Lombard) acepta la culpa de su frívola hermana (Anne Shirley) que estudia enfermería, y se marcha al pueblo de Hepperton, donde presta ayuda ante una epidemia de difteria, sacrificándose al contagio con tal de salvar la vida de una criatura, siguiendo la novela homónima (Cleveland, 1941) de A.J. Cronin.

YIBOLA BING DU (The Ebola Syndrome-1996) de Herman Yau: En el África un psicótico (Anthony Wong) se contagia del peligroso virus del ébola, luego de tener relacion es con una señorita nativa que muere al instante, luego de varias convulsiones. Ahora él está contagiado, pero al ser un portador sano, su vida no corre peligro. Quienes si corren peligro son los clientes de su restaurant y todos quienes viven en los Estados Unidos, hacia donde se dirige con el afán de diseminar su peligroso mal a la máxima cantidad de personas.

Anthony Wong en YIBOLA BING DU (1996)

En la película OUTBREAK (Estallido-1995) protagonizada por Dustin Hoffman, se relata la propagación de una enfermedad similar al Ébola, causante de fuertes hemorragias. Durante la película, se expone que el grado de mortandad del virus es del 100%, al igual que el Ébola. Además, en las escenas en que se muestran imágenes del virus por pantalla, las mismas se corresponden con el Ébola.

GRAND CANARY (Romance en Las Canarias-1934) de Irving Cummings: El Dr. Leith (Warner Baxter), caído en desgracia tras la muerte de tres pacientes a quienes había administrado un medicamento experimental, llega a Liverpool a bordo de un buque de pasajeros, en escala de un viaje rumbo a Canarias. Leith conoce a Lady Mary Fielding (Madge Evans), esposa de un rico hacendado de Gran Canaria, con quien entra en relación. Cuando el barco zarpa de vuelta, Lady Mary se da cuenta que está enamorada del galeno. Sin embargo, este no ha subido a bordo, ya que queda inconciente luego de una pelea y despierta cuando es demasiado tarde. De esta manera decide ponerse al servicio de una antigua enfermera, Suzan (Zita Johann), quien ha puesto un sanatorio junto a su hermano Robert (el gran Barry Norton), y están haciendo frente a un epidemia de fiebre amarilla. Es así que una de las primeras víctimas en colapsar es Lady Fielding, amorosamente cuidada por Leith, aún a pesar de su inquisidor marido (Keith Kenneth) y del celoso reparo de Suzan. La peli se basa en una novela de A.J. Cronin (se ve que era un tipo al que le gustaba escribir sobre estos temas). La película constituye uno de los pocos filmes sobre plagas que sucumbieron ante otra plaga, en este caso, la censura de la "Catholic Church's Legion of Decency", que condenó la película por inmoral.

Warner Baxter en GRAND CANARY (1934)

Nuestro cine también hace su aporte con FIEBRE AMARILLA (1983) de Javier Torre; EN EL VIEJO BUENOS AIRES (1941) de Antonio Momplet, sobre la epidemia de fiebre amarilla acontecida en Buenos Aires, Argentina, hacia el verano de 1870. Volviendo al cine hollywoodense, tenemos a la notable JEZEBEL (Jezabel-1938) de William Wyler, en que Bette Davis se arriesga en la epidemia que arrasa New Orleans en 1852; THE PRISONER OF SHARK ISLAND (Prisionero del Odio-1936) de John Ford, donde el médico que atendió a John Wilkes Booth (el asesino de Lincoln) se "redime" enfrentando una epidemia. Dentro del cine mudo tenemos A GIANT OF HIS RACE (1921) de Ben Strasser, donde un joven médico de color lucha contra los prejuicios raciales para encontrar una cura contra la "Plaga Amarilla"; THE COURAGE OF SILENCE (La Fuerza Silenciosa-1917) de William P.S. Earle, sobre el amor prohibido entre un empresario (Harry T. Morey) y la esposa del embajador español en Londres (Alice Joyce) con la esposa e hijos del primero cayendo víctimas de la fiebre; THE PLANTER (1917) de T.N. Heffron, en que una tirante situación entre granjeros e indios conmocionados por una súbita epidemia; THE BRIDE OF HATE (La Esposa de la Venganza-1917) de Walter Edwards, en que uno de los protagonistas (Jerome Storm) es muerto por las autoridades al intentar huir de un cerco de cuarentena (nada nuevo viendo ceguera...).

FLESH & BLOOD (Conquista Sangrienta-1985) de Paul Verhoeven: Dura aventura ambientada en el siglo XVI. Una bella prince sa cae en las garras de Rutger Hauer, el actor fetiche del genial Paul, en esta peli un bizarro conquistador. Irá a su rescate Tom Burlinson, el príncipe que deberá sortear no solo peligros propios de la guerra sino la temible acechanza de la peste negra.

DET SJUNDE INSEGLET (El Séptimo Sello-1957) de Ingmar Bergman: En la Suecia Medieval, Max Von Sydow es un Caballeroque junto a su escudero regresan luego de una Cruzada, encontrando a su paso las huellas de la peste negra, enfermedad que azota a toda Europa. El Caballero entablará un duelo con la Muerte, buscando eludir su suerte en una partida de ajedrez.

Max Von Sydow descubre una víctima de la peste en DET SJUNDE INSEGLET (1957)

PANIC IN THE STREETS (Pánico en las Calles-1950) de Elia Kazan: Si antes había sido la Europa Medieval, ahora la peste puede desencadenar un desastre en las calles de Nueva Orleans. La policía encuentra a un hombre muerto en los muelles de la ciudad, con una extraña patología. Un oficial-médico interpretado por el genial Richard Widmark (en esta peli un buen tipo), diagnostica la plaga, al tiempo que recomienda tomar medidas para que no se genere el pánico en la población, algo que podría ser aún más devastador (como vemos el tipo la tenía mucho más clara que varios ineptos que aparecen en las pantallas de nuestros televisores). Paul Douglas es otro policía que coopera con el oficial para hallar el origen de la infección y reconstruir como fue que llegó a la ciudad. Las pistas apuntan a a Jack Palance (por favor, de pie) un criminal que podría también estar infectado...

El afiche de PANIC IN THE STREETS (1950)

FOREVER AMBER (Por Siempre Ámbar-1947) de Otto Preminger: En 1660, tras la muerte de Cromwell y la restauración de los Estuardo, Amber (Linda Darnell) se rebela contra la decisión de su padre adoptivo de vivir en una granja y se enamora apasionadamente del joven soldado Lord Bruce Carlton (Cornel Wilde). Como este se niega a llevarla consigo a Londres, Amber lo sigue de incógnito a la capital inglesa. Debido a su diferencia social, Amber hace y deshace para subir su status social por encima del de su amado. Finalmente se reencuentra con el amor de su vida, pero siendo 1665, el año de la Peste Negra en Londres, las cosas se complican.

THE MASK OF THE RED DEATH (La Máscara de la Muerte Roja-1964) de Roger Corman: "Vea este rostro y cuente si puede las orgías del Diablo". Estamos en la Edad Media y Vincent Price es Prosperus, un príncipe europeo que aterroriza a su pueblo mientras usa su palacio como refugio de una plaga similar a la peste negra, sólo que en este caso le llaman "plaga de la muerte roja". Devotos de Satán, se organizan bailes y fiestas en el palacio, un ambiente que termina siendo lo más parecido a un happening psicodélico con pura estética pop.

El afiche de THE MASK OF THE RED DEATH (1964)

THE RAINS CAME (Llegaron las Lluvias-1939) de Clarence Brown y THE RAINS OF RANCHIPUR (Las Lluvias de Ranchipur-1955) de Jean Negulesco: La esposa (1ra. versión: Myrna Loy - 2da. versión: Lana Turner) de un noble inglés (1ra: Nigel Bruce - 2da: Michael Rennie) que vive en la ciudad hindú de Ranchipur descubre el amor extramarital de un médico nativo (1ra: Tyrone Power - 2da: Richard Burton), potencial heredero del trono del Maharahá local (1ra: H.B. Warner - 2da: Eugenie Leontovich). El climax dramático se compone de un espectacular terremoto que destruye el predio, seguido de lluvias intensas, aguas servidas y la veloz difusión de la peste.

ARROWSMITH (Médico y Amante-1931) nuevamente del Maestro John Ford: El Dr. Martin Arrowsmith (Ronald Colman) marcha a las Indias Occidentales, donde se ha declarado una epidemia de peste, y se dedica a inocular a la mitad de los pacientes con un medicamento desarrollado por él mismo en orden de probar científicamente sus resultados. La película tuvo graves problemas con la "peste" de la censura, según indican los memos de la Oficina Hays con observaciones sobre las repetidas menciones de los términos "hell" y "damn" en los diálogos.

Hay barcos infectados con peste negra en NOSFERATU: EINE SYMPHONIE DES GRAUENS (Nosferatu-1921) de F.W. Murnau y en su remake NOSFERATU, PHANTOM DER NACHT (Nosferatu, el Vampiro-1979) de Werner Herzog y con Klaus Kinski; ON THE HIGHT SEAS (En Alta Mar-1922) de Irvin Willat; WHITE SHADOWS IN THE SOUTH SEAS (Sombras Blancas en los Mares del Sur-1928) de W.S. Van Dyke II; FOUR FRIGHTENED PEOPLE (Seamos Salvajes-1934)de Cecil B. De Mille; y PIRATES OF TRIPOLI (Corsarios de Trípoli-1955) de Felix E. Feist.

El afiche de NOSFERATU, PHANTOM DER NACHT (1979)

También en los hoteles aparece este azote. Un hotel sufre una muerte por peste y se trata de encubrir en MIDNIGHT WARNING (Alarma a Medianoche-1932) de Spencer Bennet y en la comedia JOIN THE MARINES (Vámonos con la Marina-1937) de Ralph Staub una isla entera es puesta en cuarentena debido a un brote de peste bubónica. Un hotel alojamiento en Argentina sufre el mismo percance en LA CIGARRA NO ES UN BICHO (1963) de Daniel Tinayre.

Malvina Pastorino y Narciso Ibañez Menta en LA CIGARRA NO ES UN BICHO (1963)

WARE HITOTSUBU NO MUGI NAREDO (1965) de Zenzo Matsuyama: Este largometraje japonés muestra la historia de Sakata, funcionario del ministerio de agricultura que está al tanto de una epidemia de poliomielitis y que por esa razón comienza a realizar estadísticas e investigar sobre la enfermedad hasta que logra contactar con unos rusos que han anunciado una vacuna experimental para detener la epidemia. Sus estadísticas son mejores que las que tenemos en Argentina.

SISTER KENNY (Todos son Mis Hijos-1946) de Dudley Nichols: Describe la vida de Elizabeth Kenny (Rosalind Russell), enfermera que inició su carrera en Australia en 1911 y por la época de la película ya tenía clínicas en Inglaterra y Estados Unidos, en las que se aplicaba una novedosa manera de tratar la poliomielitis infantil.

Rosalind Russell en SISTER KENNY (1946)

A DOCTOR'S DIARY (El Honor de un Médico-1937) de Charles Vidor: Entre amores y juicios por negligencia, se desata una epidemia de casos de polio y el Dr. Driscoll (George Bancroft) debe multiplicarse para atender a todos los pacientes.

THE SILVER STREAK (El Rayo de Plata-1934) de Thomas Atkins: Se desata una epidemia de polio y un joven (Hardie Albright) depende de un pulmotor urgente para sobrevivir, pero como es demasiado pesado para llevarlo en aeroplano, su hermano ingeniero se propone transportarlo en su prototipo (la "Silver Streak"), disponiendo de 24 horas para cruzar el país. Ah, como complicación extra, hay que mencionar una espía rusa a bordo del tren...

HAWAII (Hawaii-1966) de George Roy Hill: En esta versión de parte de "Hawaii" (New York, 1959), novela de James Albert Michener, se narran las complejas situaciones que se viven en las islas de Hawaii durante las décadas de 1820-1830 desde el punto de vista de los misioneros que tratan de evangelizar a los nativos y también desde la difícil postura de los hawaiianos de abandonar las tradiciones de incesto y paganismo y abrazar una nueva fe. En este ámbito una terrible epidemia de sarampión liquida a cientos de nativos y, por supuesto, no faltará ignorante que atribuya el flagelo a ese nuevo y cruel Dios. Su secuela, titulada THE HAWAIIANS (El Amo de las Islas-1970) de Tom Gries, presenta una colonia de leprosos y un brote epidémico de peste negra.

ISLE OF THE DEAD (La Isla de los Muertos-1945) de Mark Robson. Un variado grupo humano queda aislado en una pequeña isla durante una cuarentena declarada a raíz de una extraña fiebre cuyos síntomas son escalofríos, mareos y que puede producir la muerte. El grupo está encabezado por el genial Boris Karloff, en el papel del General Pherides, un hombre terminante en impedir que los presentes abandonen la isla sin antes resolver la situación.

El afiche de ISLE OF THE DEAD (1945)

Festival de Cannes 2009

2009-05-24T19:43:00.000-07:00

Terminado el Festival de Cannes 2009, el Jurado presidido este año por la actriz Isabelle Huppert otorgó la Palma de Oro al director austríaco Michael Haneke por "Dass Weisse Band" (La Banda Blanca). No tuve todavía ocasión de verla pero según los partes de prensa se trata de un trabajo que busca explorar en las raíces del nazismo y, en definitiva, en las de cualquier dogma totalitario. En esta edición, se le brindó un justo homenaje al grandioso François Truffaut, en una cinta protagonizada por Laetitia Casta que incorpora en el reparto a su actor Jean-Pierre Léaud, quien hace 50 años vino a Cannes con "Les quatre cents coups" (Los 400 golpes).

La 62ª edición del Festival de Cannes arrancó mirando al futuro, con cine de animación en 3D y la muy esperada "Up", de Pete Docter. A lo largo de estos diez días han pasado la venganza de Johnny Hallyday ("Vengance"), los soldados "bastardos" de Tarantino arrancando cabelleras ("Inglourious Basterds"), el siempre polémico Lars von Trier ("Anticrist"), el maestro Alain Resnais con Les Herbes Folles ("Las Hierbas Locas") y genios como Almodovar y Marco Bellocchio. Lo más recomendable para los que quieran ver info de este Festival, tal vez el más importante luego de los Oscar de la Academia, es leer las notas de Diego Batlle que viajó especialmente a Cannes y se vió la friolera de 43 pelis!!

Cobertura de Cannes 2009

Sobre Michael Haneke

Angeles & Demonios

2009-05-13T23:40:00.000-07:00

Dan Brown escribió "Angeles y Demonios" antes de pegar con el best-seller de "El Código Da Vinci". En el cine tuvimos un enroque. Al igual que la primer película, esta fue dirigida por Ron Howard y protagonizada por Tom Hanks. Si bien tiene más acción que su antecesora (todavía hay gente preguntándose qué habrá hecho Da Vinci para merecer aquél mamarracho), sigue siendo basicamente una mala película.

Tom Hanks es otra vez Robert Langdon, el profesor americano devenido en detective. La trama consiste en que hay un chiflado que se roba una bomba antimateria con la que amenaza reventar parte de Roma y encima secuestra a cuatro cardenales papables, justo cuando se muere el papa. Como esto parece estar relacionado con la secta de unos chicos muy malos, los Illuminati, y el profesor es un experto en ese tema y en descifrar dibujitos...así que la guardia suiza lo manda a buscar. Si esto parece ya de por sí bastante inverosímil, lo que sigue por mas persecuciones y acción que le pongan se torna previsible y por lo tanto aburrido.

Hanks, que muestra su estado físico

Ewan McGregor es un buen actor que no puede sacar a flote su personaje en una película con un guión tan flojo (el momento de heroismo en la plaza San Pedro en un mar de periodistas es de lo más descerebrado que vi este año). Y no hablemos de la protagonista femenina, la israelí Ayelet Zurer, haciendo de italiana (sí, leiste bien...filmaron en Roma pero no encontraron ninguna tana) y sin química alguna con el amigo Hanks. El que saca un poco las papas del fuego es el viejo Armin Mueller-Stahl (hace un par de años se lució con "Promesas del Este", de Cronenberg). La película pretende meternos en el viejo debate de religión vs ciencia en el medio de una trama de suspenso. Bueno, no lo logra.

Star Trek

2009-05-08T20:37:00.000-07:00

Pasaron unos días desde el estreno de Star Trek XI y antes de escribir una palabra sobre la peli me parece importante aclarar desde qué lugar uno escribe, opina o critica. No llego a la categoría de "trekkie" pero sí soy un fan de la serie, particularmente de la Star Trek T.O.S. (The original series) que es la que veía cuando era chico y ya en colores en las viejas trasnoches del Kenia Sharp Club. Aclaro esto frente a todo tipo de comentarios que pude escuchar o leer desde el estreno. De aquellos que detestan Star Trek, su mitología, a los trekkies, etc. pero que aún así les gustó la película. Las de aquellos que por ser hiper fanáticos siempre encuentran algo que no encaja y no les gustó (los menos). Enfin, hay para todos los gustos. Lo que está claro, es que la película dirigida por J.J. Abrams (Lost, Misión Imposible III) tiene el mérito nada despreciable de haber conseguido revitalizar a Star Trek (y reconozcamos que necesitaba un poco de chapa y pintura!), logrando al mismo tiempo interesar a quien estaba lejos de este universo, a los que no tenían ni la más remota idea de quien es el señor de las orejas puntiagudas e incluso también a los seguidores de la serie original. No creo equivocarme si digo que sorprendió a todos. Confieso que cuando ví la película me quedé con la sensación de "wow, que bueno estuvo esto". Superó mis expectativas, algo que no es habitual cuando uno ve la película desde la nostalgia.

Por qué digo que Star Trek necesitaba un retoque? Porque pasaron 40 años desde la serie original. Las nuevas generaciones no conocen a los actores, ni las historias de la Federación, ni a los Klingons, ni a los Romulianos. Están más familiarizados con las teleseries espaciales como Battlestar Galáctica, por decir algo. Así que el Sr. Abrams hizo algo muy piola como para dejar contentos a los conocedores de la serie y a quienes no se sentian atraídos por subirse al Enterprise. Hizo una inteligente precuela, partiendo de la premisa de darle una vuelta de tuerca a los orígenes de la historia sin traicionar la esencia, el legado y el glamour de la historia creada por Gene Roddenberry. Repitiendo lo que es un cliché de la serie, Abrams fue a dónde ningún director y productor llegaron jamás.

Buena parte de la revitalización tiene que ver con el trabajo de dos guionistas en los que se apoyó Abrams: Alex Kurtzman, que tenía la ventaja de no estar inmerso en la cultura trekkie y Roberto Orci, un fanático que conocía todos los detalles. La combinación evidentemente funcionó; la historia primordial de cómo empezó todo, incluyendo la relación especial entre Kirk y Spock, tan especial que merece una reflexión particular de Nimoy para el festejo de todos sus fans (relación que en realidad también existió fuera del cine ya que por ej. Nimoy fue padrino de bodas de Shatner). En palabras de Kurtzman ”Era realmente fascinante pensar en el joven Spock, que está literalmente desgarrado entre el mundo humano y el vulcaniano y que, como cualquier niño, intenta imaginarse cómo puede encajar. Eso hace de él un personaje con el que es sumamente fácil identificarse. Era igualmente fascinante pensar en el joven Kirk, que creció siendo un rebelde, a lo James Dean, mientras buscaba su identidad. Cuando se conocen en la Academia de la Flota Estelar, no pueden ser más opuestos en el modo en que conciben la vida, pero también reaccionan a los parecidos que ven en el otro. Una gran parte de este viaje consiste en cómo aprenden a utilizar el uno lo mejor del otro para tomar decisiones de mando que harán que sobreviva la nave Enterprise y el propio universo”.

Los actores elegidos también fueron una parte fundamental en el éxito del proyecto. Una de las virtudes que hizo de Star Trek T.O.S. una serie de culto a lo largo de las últimas décadas fue la química que se producía entre los actores principales, las particularidades de cada personaje, su humor y su carisma. Hay opiniones encontradas respecto de la actuación de Chris Pine como el capitán Kirk. Yo me inclino decididamente a favor del trabajo que hizo Pine. Muestra todos los rasgos que inmortalizaron a William Shatner en ese rol: es una presencia cálida, intrépida y con carisma. Sin embargo, el que la tenía mucho más dificil era Zachary Quinto. No sólo tuvo que recrear a un mito como el Sr. Spock, sino que tuvo que enfrentarse cara a cara con el "verdadero" Spock, Leonard Nimoy! Y supera la prueba. Logra una excelente reacreación con algunos detalles que delatan una preparación minuciosa y cierta posible ayuda del mismísimo Nimoy. Los actores secundarios también cumplen su parte. Karl Urban es Leonard McCoy mientras que el resto de la tripulación se completa con el Simon Pegg (el entrañable, Montgomery “Scotty” Scott), Anton Yelchin (Pavel Chejov), Zoe Saldaña (Uhura) y John Cho (Hikaru Sulu). El villano de turno es Eric Bana, que aplica cierta gravedad teatral a su papel de Nero. Completan el elenco Ben Cross y Winona Ryder como los padres de nuestro vulcano favorito.

La película cuenta con excelentes efectos, cortesía de la empresa de George Lucas, que le dan espectacularidad y complementan en la factura técnica los aciertos ya mencionados y la fotografía de Dan Mindel. Mindel es uno de los responsables de haber elegido pantalla ancha anamórfica, lo que sin dudas ayuda a generar esa sensación de anchura y expansión como si estuviésemos en el mismo espacio. Pero a diferencia de la Star Trek original, la película encandila no soloporque la cámara pasa repetidas veces por una fuente de luz generando destellos casi psicodélicos; la cámara no para nunca, lo que constituye uno de los toques del director y que ayuda a sostener esta verdadera historia de aventuras que bajo ningún concepto hay que perderse.

BAFICI 2009, balance luego de la 11ma. Edición

2009-04-12T21:24:00.000-07:00

Luego de más de una década de BAFICI (Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires), podemos estar orgullosos que se haya consolidado un evento que a pesar de todas las dificultades ha logrado algo que en nuestro país no abunda: continuidad, más allá del cambio de signo de los gobiernos de turno. La primer edición del Festival fue en 1999 y en ese momento era muy dificil imaginar las repercusiones e influencia que tendría el mismo a lo largo de los años, tanto en el campo cinematográfico argentino como en la agenda cultural de la ciudad.

En muchos aspectos, el Festival fue pionero en su género ya que mantuvo una estética que le da su propia identidad, se ha transformado en una cita ineludible para todos los cinéfilos y generó un espacio para el cine independiente argentino y en una muestra calificada de las últimas tendencias del cine mundial. En sus inicios el Festival contó con la dirección de Andrés Di Tella, al que le siguieron el crítico Quintín (ex El Amante), el historiador y coleccionista Fernando Martín Peña (que en mi opinión encabezó el período más brillante del Festival) y Sergio Wolf (crítico y guionista) que es su actual director artístico. Más allá de los gustos de cada uno (acabo de exponer el mío), no cabe dudas de que todos han contribuído a que el Festival siga adelante, en su permanencia.

En la primera edición de 1999 se presentó entre sus eventos destacados una teleconferencia con Lars Von Trier, vinieron Francis Ford Coppola y Paul Morrissey y se hicieron una serie de actividades, por ejemplo las relacionadas con la revolución digital en el cine. En esa primera edición, un chico salido de la FUC ganó el premio al Mejor Director por su ópera prima: Pablo Trapero. La película: Mundo Grúa (Crane world, 1999), que luego ganaría varios premios más. El Festival no sólo ha permitido el reconocimiento de jovenes talentos, sino que ha logrado ganarse un lugar en la agenda de directores (nuevos y consagrados), productores, distribuidores y todos aquellos relacionados con la industria del cine. También ha generado un espacio para los cinéfilos de la ciudad y de otros sitios (cualquier concurrente ha notado que ya no son pocos los que vienen incluso de países vecinos). Es un público muy ecléctico, estudiantes de escuelas de cine, aficionados y porque no decirlo, también algunos snobs. El éxito del Festival ha sido tal que su prestigio ha por lo menos igualado al del tradicional Festival Internacional de Mar del Plata, el único Clase A en la región, motivando incluso cambios de calendario para evitar superposiciones.

La 11º edición de BAFICI, que se realizó del 25 de marzo al 5 de abril, tuvo que lidiar al igual que el año anterior con varias dificultades económicas. A pesar de estas dificultades, el Festival mantuvo su impresionante récord de películas proyectadas (417 películas), fue anfitrión de visitas destacadas (James Benning, Claire Dennis o Ron Mann, entre otros). El balance fue positivo con algunas cosillas para revisar, como por ejemplo la sección "Rescates" en la que se pasaban viejas películas restauradas, no siempre sencillas de ver en pantalla gigante. Tampoco estaría mal volver a darle mayor dimensión al cine animado (este último año la animación estuvo más bien dirigida al cine infantil) o la espectacularidad de algunos eventos como el "estreno" del Acorazado Potemkin en el Colón. Estos últimos fueron hallazgos de la gestión de Peña que sería bueno que no se pierdan.

Lo que resulta insoslayable es el tema presupuestario. Es sabido que la organización de este tipo de Festivales conlleva un trabajo intenso en cuanto a la selección, costo de las películas a proyectar, estadía de los invitados internacionales, etc. siendo la mayoría de estos costos en dólares. Naturalmente este desfasaje ya afectó a las dos últimas ediciones, en particular por el débil apoyo del INCAA y el recorte presupuestario del gobierno de Macri en la última edición. Haber recortado un 20% el presupuesto con mayores costos y habiendo incluso aumentado el precio de las entradas es algo injustificado e insostenible. Seria bueno que la gestión PRO de la ciudad entienda de una vez por todas que la cultura no tiene que ser "rentable" y que no se pueden aplicar en la gestión pública las mismas variables que se aplican al gestionar una empresa privada o un club de fútbol.

Watchmen (Vigilantes)

2009-03-06T21:35:00.000-08:00

Finalmente llegó Watchmen (Vigilantes), uno de los films más esperados por los fanáticos del comic para 2009. Zack Snyder (300) aceptó el desafío de llevar al cine la novela gráfica escrita en los '80s por Alan Moore (también autor de V de Vendetta) y dibujada por Dave Gibbons para la DC Comics. El hecho de que esta película se haya querido filmar desde hace 20 años da una idea de las dificultades para su realización aunque seguramente los fanáticos de la saga encontrarán fallas (por ejemplo en los trajes) y ni hablar de su autor que repudió la película a pesar de que Snyder sigue bastante fielmente la historia original.

Planteada como una ucronía que se desarrolla en los Estados Unidos en 1985, este universo paralelo se desarrolla en plena guerra fría donde los Estados Unidos y la Unión Soviética se encuentran a un paso de la guerra nuclear. Nixon está en su tercer mandato, algo que logra como consecuencia de la victoria americana en Vietnam gracias a la intervención del Dr. Manhattan, un científico que tras sufrir un accidente obtiene poderes sobrehumano s que le permiten manipular la materia a voluntad. Décadas atrás, había surgido una oleada de justicieros enmascarados, que alarmados por el aumento de la delincuencia, decidieron patrullar las calles. Ninguno de ellos tenía superpoderes, como el Dr. Manhattan, pero usaban sofisticados vehículos, variados gadgets y vistosos uniformes. Antes del acta gubernamental que prohibió las actividades superheroicas en los 70, varios de estos vigilantes formaron los Minutemen, un famoso grupo de superhéroes.

Ahora, uno de sus miembros, Edward Blake, conocido en su momento como El Comediante (un genial Jeffrey Dean Morgan), es brutalmente asesinado por un desconocido. Investiga el asunto Rorschach, un psicópata bien facho (Jackie Earle Haley en una actuación formidable) que sigue ejerciendo de justiciero en la clandestinidad cubierto por una máscara inspirada en el famoso test psicológico de las manchas. Rorschach está convencido de que alguien está eliminando a sus viejos camaradas y decide advertirlos.

Zack Snyder no ha llegado en este caso a realizar un film viñeta a viñeta como en 300, pero sigue bastante fielmente la historia original. A pesar de su larga duración, la peli tiene buen ritmo en una trama oscura, llena de recovecos, que funciona muy bien salvo por dos graves problemas: Patrick Wilson como Nite Owl II (un Batman trucho) está muy lejos de ser el “casting” adecuado y Malin Akerman como Silk Spectre II, es una beldad inquietante pero como actriz es de madera. Más allá de los inconvenientes que esto genera, la peli sale bien parada, con escenas de acción extraordinarias, un impresionante arsenal de efectos especiales y algunos momentos muy bien logrados como el primer encuentro entre Nite Owl y Silk Spectre después de mucho tiempo en un restaurante, amenizado con la canción "99 red balloons" de Nena (estamos en los 80s!). Merece verse.

The Spirit

2009-01-24T22:32:00.000-08:00

Primer película en solitario dirigida por Frank Miller (la primera en rigor fue "Sin City" junto a Robert Rodriguez). Cualquier fan de Marvel o DC Comics conoce a Frank Miller. Previo paso por Spectacular Spiderman y sobre todo por su desarrollo del personaje de DareDevil y Elektra, alcanza merecida fama con "Batman: El regreso del Señor de la Noche". En este comic introduce su particular visión en el universo del hombre murciélago, presentando un Batman mayor, marginal, totalmente outsider enfrentando un Superman que representa el nuevo orden, un sistema en el que los superhéroes han sido proscriptos. Tiempo después sigue "Batman, Año Uno" donde se permite una vuelta de tuerca a los orígenes del personaje, acentuan do los rasgos oscuros y patológicos en Bruce Wayne en un clima de novela negra.

Para su début como director, elige a The Spirit, un comic creado en 1940 por Will Eisner. En la peli, Gabriel Macht es The Spirit, el justiciero enmascarado que vuelve de la muerte gracias a un extraño experimento que le permite recibir toda clase de golpizas, objetos contundentes y ráfagas de ametralladora sin preocuparse demasiado. Miller nos ahorra abundar en los orígenes y entra de lleno en la historia presentando también a su némesis, The Octopus, un supervillano que, a diferencia de la historieta original, podemos ver con claridad interpretado por Samuel L. Jackson. La estética dark de la película está muy bien lograda, así como el clima de novela negra propia del original en lo que hace a lo visual.

Los ángeles de Frank, Paz, Scarlett y Eva.

Filmada en croma, algo que no resulta fácil para los actores, los efectos digitales están muy bien logrados, particularmente en las peleas entre Macht y Jackson (que además son muy graciosas). También hay abundancia de curvas femeninas, tanto de Eva Mendes como la ex novia del justiciero devenida en villana, la blonda Scarlett Johansen y la odalisca que interpreta Paz Vega.

No sólo Pinocho es de madera

Pero se trata de cine, no de un comic. No me parece copado reproducir la estética comic en una película. El film no tiene vida, Jackson está gracioso en algunas partes pero no parece demasiado interesado y ni hablar de la bella Scarlett. Eva Mendes...bueno, está muy buena y hace lo que puede. En resumidas cuentas, no logra interesar y al promediar la película uno ya está pensando en huir del cine. Miller está trabajando en una secuela de Sin City. No perdamos las esperanzas.

La Duda

2009-01-18T19:24:00.000-08:00

En "La Duda", Meryl Streep es la Monja Superior Aloysius Beauvier, la directora autoritaria de una escuela católica del Bronx en los años sesenta. Su vida cambia cuando una serie de acontecimientos la hacen sospechar del párroco superior, interpretado por Philip Seymour Hoffman. Y cuál es la duda? Parece que el hombre de sotana es un pedófilo y se lo ve muy cerca de un niño de doce años, el único afro americano de la escuela.

Sin tener pruebas concretas, la Monja se obsesiona con el tema y desafía la jerarquía eclesiástica, que sabemos que muy abierta que digamos no es (esto en los sesenta, ahora con el Canciller Palpatine hasta podriamos decir que la cosa está peor). Se enfrentan y ya de por sí ver a estos actores en semejante duelo vale el precio de la entrada. También apreciar la actuación de la hermosísima Amy Adams, la monjita que advierte a Streep sobre la conducta del Padre, deslumbra por partida doble, mientras que Viola Davis, la mamá del chico en cuestión, tiene una breve aparición en la película pero su diálogo con Meryl Streep es imperdible.

No estarás sospechando de mí, no?

El contexto de la época es un adecuado marco para la peli. Acaban de asesinar a Kennedy, se vive un clima de agitación social, es la épóca del concilio Vaticano II. La Monja es una conservadora y no parece muy adaptable al tiempo de los cambios (ni siquiera le gustan los bolígrafos!) y el Padre representa todo lo que ella combate: la apertura, el desacartonamiento. Es un representante del progreso y una amenaza para la férrea disciplina que impera en la escuela. Eso hace todavia más intrincado el asunto. Hasta dónde la frescura del Padre tiene que ver con algo prohibido, algo tan repugnante como el abuso? La duda, la tremenda duda queda expuesta incluso en el sermón que da Seymour Hoffman. Fue o no fue? Necesitamos certezas, pero no siempre las obtenemos. Si alguien todavía no vió la película, es prudente detenerse acá.

Semejantes actuaciones no estuvieron ajenas a las nominaciones para el Oscar para los cuatro actores principales. Se agregó una quinta nominación por mejor adaptación debido al guión del director de la película, John Patrick Shanley, basado en su propio libro ganador de un Pulitzer en el 2005. Si de algo no hay que dudar, es de ir a ver esta película.

El dia que paralizaron la Tierra

2009-01-03T22:21:00.000-08:00

Si no se conoce una de las frases más famosas de los films de ciencia ficción, "Klatuu Barada Nikto", ir a ver "El día que paralizaron la Tierra" de Scott Derrickson (El exorcismo de Emily Rose), puede ser una buena alternativa con el plus de generar cierta curiosidad por el film original de 1951, realizado por Robert Wise. En ambos casos tenemos un extraterrestre que amenaza con exterminar a la incorregible raza humana. Pero en el original esto tenía más sentido. Hay que tener en cuenta que hacía pocos años que había terminado la segunda guerra mundial, era la época de la guerra fría (con guerra de Corea incluída) y reinaba un clima de desconfianza que no está preparado para recibir a esta suerte de jesucristo alienígena.

Keanu toca su bola

La situación actual es diferente y eso explica los cambios en el guión, donde la amenaza no pasa por una guerra nuclear de exterminio, sino por la destrucción del planeta como consecuencia de la acción del hombre sobre el medio ambiente (busqué a Al Gore en los créditos pero no lo encontré).

Con este no se jode

Si no molesta la inexpresividad de Klatuu Reeves, androide o alien da igual, no pasa lo mismo con Jennifer Connelly. Ni hablar de Kathy Bates que recita sus líneas y debe haber salido a buscar el cheque. Molesta y mucho la sucesión de publicidades de plasmas, hamburguesas, equipos de computación, etc. En cambio el robot Gort es tan copado como el original y sus efectos mortiferos están bien resueltos por lo mejor de esta película que son los efectos especiales. Igual no justifica el boleto, salvo para los que buscan un pretexto para comer pochoclo en el cine.

Cortina Rasgada

2008-11-18T14:16:00.000-08:00

FICHA DE LA PELICULA

Titulo Original: Torn Curtain

Dirección: Alfred Hitchcock

Origen: USA

Año: 1966

Duración: 128 min.

Guión: Brian Moore

Música: John Addison

Intérpretes:

Paul Newman (Michael Armstrong)

Julie Andrews (Sarah Sherman)

Lila Kedrova (Condesa Kuchinska)

Tamara Toumanova (bailarina)

Wolfgang Kieling (Hermann Gromek)

Ludwig Donath (Prof. Gustav Lindt)

Heinrich Gerhard (Felmy)

SINOPSIS

Con el fin de conseguir una fórmula científica, un sabio dedicado al estudio de los átomos (Paul Newman) finge traicionar a Estados Unidos y se presenta en Berlín-Este. Primer imprevisto: su novia (Julie Andrews) lo ha seguido; segundo imprevisto: su guardaespaldas ha descubierto la verdad y tiene que asesinarlo.

ANALISIS

Hichcock sabía que el principio de una historia podía ser aburrido. La secuencia con los créditos de apertura podía crear un ambiente que capturara el interés del público. A él le gustaba utilizar secuencias iniciales interesantes y que nos dijeran algo acerca de la historia. Aunque los créditos de “Cortina Rasgada” no son tan impresionantes como los realizados por Saul Bass en “Vertigo” o “Psicosis”, son originales y bastante sofisticados. Diseñados por Mel Stadler, muestran un cohete echando fuego y humo en el lado izquierdo de la pantalla, mientras que al otro lado se suceden imágenes fantasmales que sugieren distintos momentos de la película.

Desde el principio, Hitchcock crea el clima de misterio con una serie de tomas rápidas. No hay diálogo, pero sabemos que estamos en un barco de científicos, que hace frío y que dos miembros del grupo están ausentes. Con música nos introduce en una habitación en la que somos testigos de una pareja que encontró una manera divertida de protegerse contra el frío. Paul Newman y Julie Andrews aparecen en un estrechísimo primer plano colocando a la cámara y al público en una perspectiva de voyeurs.

Luego de la introducción del barco, la pareja llega a Copenhague. En el hall del hotel aparece el clásico cameo de Hitchcock, en este caso con un bebe sobre sus rodillas…remarcado por el compositor John Addison con la famosa melodía de la serie de TV “Alfred Hitchcock Presenta”.

A Hitchcock le gustaba mantener a su público alerta. Sus imágenes transmitían a menudo información vital. Al focalizarse en el libro que Andrews le entrega a Newman, el director quiere que advirtamos que algo raro está pasando. Hasta ese momento la historia está contada desde el punto de vista de Andrews, haciendo el personaje de Newman más sospechoso y creando el clima de suspenso.

El personaje de Newman le oculta los verdaderos motivos a su novia. Está tratando de protegerla aunque ni ella ni el público todavía lo sepan. Hitchcock filmó las discusiones de la pareja y otras escenas delante de una pantalla, utilizó telones pintados y en lugar de filmar en exteriores, seguía fiel a sus métodos.

Nada es gratuito en los films de Hitchcock, ni los toques de humor que mantienen al público alerta. Las bromas con la bailarina forman parte de la historia. Hitchcock compone los cuadros con mucha precisión. En la oficina de seguridad del aeropuerto, Newman se sienta en un lado de la habitación, Andrews en otro y los alemanes están parados en un tercer lugar. Ninguno de los tres aparece con alguien más en la misma toma. El director nos los muestra a todos por separado. De esta forma enfatiza la alienación que existen entre los tres personajes.

El actor alemán Wolfgang Kieling era el actor perfecto para Gromek. Hitchcock señala la importancia de este papel con un detalle repetitivo: su encendedor nunca funciona. Hitchcock construía a los personajes pensando que eran personas completas. Criticaba que en las películas los comunistas eran presentados frecuentemente como gente fría y sin sentido del humor. Solía presentar al villano de turno como alguien agradable, con sentido del humor y muchas veces glamoroso, aunque esto último no aplique al caso de Gromek.

En la conferencia de prensa, el público está en la posición de Andrews. No consigue ver con claridad a Newman, lo que refuerza la confusión de la situación. Hitchcock filmó el enfrenamiento entre Andrews y Newman como una obra de teatro. La cámara está inmóvil con los actores en lados opuestos de la habitación. El público no está implicado en la acción, es sólo un testigo incómodo de esta situación.

En el segundo acto, el punto de vista de la película cambia completamente. Pasamos de la mirada de Andrews a la de Newman. Comienza con Newman saliendo del hotel, filmado desde un ángulo alto que baja hasta dónde está Gromek.

La escena en el museo de Leipzig es típica de Hitchcock. Consigue crear el efecto del suspenso sólo con el sonido de los pasos y el recorte de una sombra. Pero la secuencia más famosa de “Cortina Rasgada” es sin duda el asesinato de Gromek. Hitchcock crea tensión con cortes rápidos, e inicia el asesinato con la olla que se estrella contra la pared. Perfectamente diseñada como muchas escenas de crimen en las películas de Hitchcock. Las películas típicas de espías siempre simplificaban los asesinatos y el director quería mostrar lo díficil que es matar a alguien y al mismo tiempo hacerle ver al personaje de Newman que el crimen es parte del mundo del espionaje. Hay humor negro e ironía en esta secuencia. Por ejemplo, Newman es un espía amateur y no tiene la menor idea de cómo matar a su adversario. Otro tema clásico hitchcockiano es el uso del decorado como parte esencial de la acción. En la granja, todas las herramientas para matar son instrumentos domésticos: un cuchilla, la pala y el horno de gas. En esta escena como en tantas otras el director manipula el sonido (desde que lo utiliza en “Blackmail”). El asesinato de Gromek prácticamente es silencioso.

Como en muchas películas de Hitchcock, esta también es una historia romántica donde el suspenso se debe en parte a la tensión que se genera entre Andrews y Newman. Hasta dónde será capaz de seguirlo ella? Cuánto va a esperar él para decirle la verdad? Hitchcock filma a la pareja discutiendo desde lejos, de manera que no tenemos que volver a escuchar algo que ya sabemos. El director nos cuenta esto todo con imágenes, algo que repetirá en su película siguiente “Topaz”. Esta última escena da paso al tercer y último acto, el de la húida, contado desde la perspectiva de la pareja.

El “MucGuffin” es otro elemento típico de Hitchcock. Los personajes buscan algo pero el público no sabe lo que es. En “Cortina Rasgada” es una fórmula secreta que Newman debe obtener de un profesor alemán. Para evitar que el público se concentre en el “MucGuffin” y al mismo tiempo para generar suspenso, Hitchcock nos cuenta algo que Newman no sabe: se nos revela que los alemanes encontraron el cádaver de Gromek. Y esta era la forma de suspenso hitchcockiana. No genera sorpresas, sino que nos deja esperando a que las cosas que ya sabemos que pueden pasar ocurran.

La persecucion de los autobuses es otra oportunidad de peligro en la que se mezclan suspenso, tensión y humor. En un papel secundario aparece la actriz ruso-francesa Lila Kedrova, famosa por su participación en “Zorba, el Griego”, como una condesa que busca escapar de la cortina de hierro. Esta condesa tiene dos caras. Por un lado es humilde y amable. Por el otro, es una chantajista amenazadora. En ella, Hitchcock simboliza a toda la gente que quería fugarse, pero siendo un genio podemos obviar la parte más panfletaria de la película. Hitchcock mantiene y relaja el suspenso constantemente. En las escenas con Lila Kedrova nos relajamos en el café y nos tensionamos en la oficina de correos.

Hitchcock eligió al diseñador de producción Hein Heckroth, quien ya había trabajado en el diseño de “Las Zapatillas Rojas” (The Red Shoes, 1948) de Michael Powell y Emeric Pressburger. Su trabajo se aprecia en la escena del ballet. Hichcock presenta el climax de la película como en la escena del Albert Hall en “El Hombre que Sabía Demasiado” (The Man Who Knew Too Much). En esta ocasión no hay un concierto y Doris Day no va a gritar al oír sonar los platillos, es Paul Newman el que grita para escapar de la policía. Pero en ambos casos utiliza el escenario como parte del drama, no sólo como fondo. Viendo el espectáculo, a Newman se le ocurre gritar “fuego” y auque a algunos esto les suene una repetición de trucos anteriores hay que recordar lo que señalaba Hitchcock al respecto: “el auto-plagio es estilo”.

ALGUNAS NOTAS SOBRE HITCHCOCK Y "CORTINA RASGADA"
A comienzos de la década del sesenta, la carrera de Hitchcock estaba en su apogeo con el estreno de “Psicosis”. A esta le siguieron “Los Pájaros” en 1963 y “Marnie” en 1964. Aunque hoy día esta última se considera un clásico, en el momento del estreno fue un fracaso comercial. Esta también fue la última película en la que Hitchcock colaboró con su director de fotografía, Robert Burks y su montajista, George Tomasini, ambos fallecidos en el mismo período. Además “Marnie” fue también la última película de Hitchcock con una banda sonora compuesta por Bernard Herrmann.

A mediados de los sesenta, el maestro del suspenso competía consigo mismo y con una nueva generación de cineastas y muchos imitadores. Algunos críticos se preguntaban si el hombre que se había adelantado a su época se habia quedado atrás. Aunque “Cortina Rasgada” no califica como una de las Obras Maestras del director, está llena de ideas interesantes. Alguna de las escenas son “puro Hitchcock”.

La idea para la película surgió de la historia de dos diplomáticos británicos, Burgess y MacLean, que desertaron a la Unión Soviética. Hitchcock se preguntaba lo que la mujer de MacLean pensaría de todo esto.

La película cuenta la experiencia de un hombre corriente que hace de espía, y lo peligroso que esto puede ser. Basada en un guión de Brian Moore, la película tropezó con varios problemas de guión y falta de humor, un elemento distintivo en todas las películas de Hitchcock. El guión fue revisado por los escritores italianos Age y Scarpelli, que en ese momento estaban colaborando con Hitchcock en otro proyecto que finalmente nunca se concretó.

Julie Andrews y Paul Newman fueron elegidos por la Universal como los protagonistas. Andrews, que venía de ganar un Oscar por “Mary Poppins” tenía poco tiempo para hacer la película, y Hitchcock tuvo que empezar el rodaje sin estar totalmente satisfecho con el guión. Paul Newman ya era una estrella internacional. Este también tenía sus dudas sobre el guión. Le escribió una carta a Hitchcock especificando los problemas que encontraba en el guión: el tono de la película, algunas escenas específicas que no encontraba muy creíbles, algunos puntos relacionados con su personaje. Tampoco le gustaba el título. Para él carecia del misterio de “Notorious” (Encadenados) o “North by Northwest” (Con la Muerte en los Talones). Recordando su experiencia en la película, Newman dijo: “Habría congeniado con Hitchcock si el guión hubiera sido mejor”. Al empezar el rodaje Hitchcock le envío a Newman una nota que decía: “Querido Paul, a principios del Siglo XIX, el juez de Old Bailey llevaba siempre un ramillete de flores y lo olía para soportar el hedor de la prisión de Newgate junto al tribunal. Cuando llegues al plató, inhala profundamente. Un cordial saludo, Hitch”.

Años más tarde Hitchcock dijo que a Newman le gustaba hacer las cosas a su manera, y eso a él no le importaba. Pero le molestaba los actores que obstaculizaban su trabajo de cámara y que comprometían la edición de una escena. Hitchcock respetaba a los actores si ellos le respetaban a él. En cambio con Andrews siempre tuvo dudas pero al final lo convencen porque era la actriz del momento. Hitchcock después reflexionaba…”todos esperaban que empezara a cantar”.